欣赏一幅好的绘画作品，就如同你在看一部电影或读一本小说，自己仿佛就是那个角色，用作品里角色的眼睛、思想和情感体验着他的感受，与他经历着相同的喜怒哀乐痛；好像你就是角色自己——这就是所谓的感同深受。虽然没有亲身经历，但感受就像亲身经历一样，产生共鸣。马克·罗斯科是美国十九世纪有名的抽象派画家，他是生于俄罗斯的犹太人，10岁为避难移居美国。父亲一年后去世，童年生活多坎坷，年经时卖过报，当过裁缝，做过配角演员，过着食不饱腹的生活。这可能造成了他心理上极度缺乏安全感。耶鲁大学缀学后进入纽约艺术学院学习，受到现实主义和超现实主义的影响，后逐渐抛弃具体的形式，形成了自己完全抽象的色域绘画风格。生活的阅历让他对绘画有独有的感受，虽然抽象却能调动人的情绪与情感。马克·罗斯科认为自己不是抽象画家，他更注重的是精神的表达。他说：“我对色彩与形式的关系以及其它的关系并没有兴趣……我唯一感兴趣的是表达人的基本情绪，悲剧的、狂喜的、毁灭的等等。”当你站在这些作品前，你看不到画幅的边缘，沉浸在作品中，这些或红、或橙、或蓝、或灰、或黑的方块从背景上活现出来，让观者感同深受，有人甚至在他的画面前因崩溃而放声大哭。在欣赏画作时，能引起强烈情绪情感反应的，必定表达的意境与观者的兴趣、情感、经历等方面在同一频道上，才得以引起共鸣。罗斯科在事业上得以成功，巨大的精神压力和家庭生活的不和谐让他患上抑郁症，痛苦不堪，酗酒、滥用药物使其状况更糟。晚期作品中，他放弃了绚丽、明亮的颜色，改用灰色、紫色、黑色等。他为教堂设计的14幅油画无疑反映了他内心的抑郁和对未来的绝望。令观者苦思冥想，成为许多人的精神家园。这些情绪的出现类似人们的触景生情——哀人生之须臾，羡宇宙之无穷。马克·罗斯科陈列在教堂的画作罗斯科愤世嫉俗，朋友少感情好，不幸的是短短几年期间，他的几个艺术的朋友相继去世了。罗斯科拿起画笔画这幅《四个黑暗的红色》，也画下了自己当时的情绪状态。在生命的最后时期，罗斯科创作了一系列黑灰色的作品，他自己也说这些象征着死亡。先前明亮的色彩消失了。面对这样的一片黑暗，所有人都会感到压抑，窒息。看着眼前的画面，你会觉得画布上的色彩正通向一个深渊。我们凝视的不再是一幅画，而是罗斯科旨在传达的人类全部的悲剧性，这种悲剧通向最后的死亡。罗斯科所表达的是人类最基本的情绪情感，是所有人共有的，因而他的画作会让观者感同深受，泣不成声。1970年2月25日，抽象派画家罗斯科自杀在自己的工作室内。这是自杀前最后的作品，这幅画也一样叫《无题》，是一幅黑色和灰色的矩形，上面有着薄薄的，半透明的不同层次的光亮和积层。有人问罗斯科选择黑色和灰色的原因，他很简单的说：这两个颜色都是关于死亡的，代表着一种荒凉、空虚的形象，与此同时也提供了既丰富又模糊的视觉体验。如果把这幅画看作风景，那么上半部分是一片辽阔而空旷的黑色天空，下半部分则是一片荒原，确实有一种死亡的气氛。马克·罗斯科的《无题》1969朋友描述他当时的状态“高度紧张，瘦弱，焦躁不安”，他自身的精神状态与他的绘画作品都显示出他走进生命的边缘。通过罗斯科的绘画历程和故事，人们可由绘画看到一个人的情绪状态。绘画作品具体传达的状态、内容、颜色等，都可以投射出画者快乐的、喜悦的、悲伤的、绝望的、抑郁的等各种情绪，看画者和画者通过绘画作品这个媒介很容易产生共鸣。生活中用绘画传达情绪的形式有很多，如随意画，涂鸦，曼陀罗等等，用来洞察画者的情绪并根据当下状态进行调整。对经营您的生活，家庭，事业，亲子关系，人际关系都有很大的帮助。不限性别不限年龄。何乐而不为呢？

路易斯·韦恩，（Louis Wain，1860-1939）英国画家，以画拟人化的猫而著名。韦恩是家中的长子，下面有5个妹妹。他天生兔唇，医生曾建议他的父母不应让韦恩10岁前去学校读书。他少年常常逃学，在街道流浪。后来入读西伦敦艺术学校，成为自由画家。他最初画的多是漂亮的田园景色。23岁时他娶了妹妹的家庭教师爱米丽·理查兹。因为爱米丽比他大10岁的缘故，在当时的社会这件婚事很惹人非议。新婚不久，爱米丽不幸患上癌症，在和病魔挣扎期间，她最大的安慰便是彼特——一只她饲养的小猫咪。3年后，爱米丽不治身亡，韦恩终身没有再婚。是彼特让韦恩开始爱上猫的。1886年，他在《伦敦新闻》的圣诞版发表《小猫的圣诞派对》。这是他第一幅拟人化的猫咪作品，画中有上百只小猫，它们或在玩球，或在嬉戏，或在聊天。之后，许多明信片、贺卡和儿童画集中的猫咪形象都出自他的手笔。爱妻死后，韦恩一直与5个妹妹(她们没有结婚)一同居住，但随着第一次世界大战打响，人们对他作品的需求急剧下降，家庭开始入不敷出。作为家里惟一男性的韦恩，他肩上的压力可想而知。1924年，韦恩的精神开始出现问题，终日脾气暴躁异常，家人实在忍无可忍，只得将他送入精神病院。韦恩被诊断患上了精神分裂。一年后，他住院的事渐渐被公众知晓，许多名人如科幻小说之父H.G.威尔斯(大名鼎鼎的科幻小说《世界大战》的原作者)、甚至首相都纷纷对他表示关注 。韦恩被迁到条件更好的Bethlem皇家医院，1930年又转到一家叫Napsbury的医院。在那里，他度过了人生最后的15年。患病住院期间，韦恩并没有放下手中的画笔，虽然画风与以前大相径庭，作品弥漫着一股强烈的迷失感，但 惟有一点不变——猫还是他的重心。“拟人猫”是令韦恩扬名立万的发明——像人一样直立行走，穿衣戴帽，表情暧昧，人模猫样的。他的猫画大多结 合当时的社会情景并搭配巧妙的标题，因而产生了不小的社会反响。名声在外，世人便将那些拟人化的猫们统称为“韦恩猫” 。在饱受精神疾患折磨期间，韦恩的创作成为了令人咋舌的绝妙之作。“万花筒猫”——又一因其作品而产生的专有名词。随着疾病的加重，他所绘制的作品充斥着一股病态的繁杂美感，猫已不成猫型了。精神分裂后期的作品，如果凝神去看：解体！解体！事间万物分崩离析纷纷开始分解啦！从猫的形态也能够看出画者的精神状态正在发生的变化。路易斯·韦恩的前期画作被收录到儿童画册中，但是在其后期的作品并没有收录到儿童画中。其后期作品的画作风格与其精神状态的高度吻合，使得韦恩的画作成了当代心理分析学中的经典案例，被专家反复加以研究。绘画作品作为个体的一种无意识状态，反映了画者的内心世界和精神状态。绘画心理学正是通过对画面内容的分析和解读，可以帮助咨询师更好的了解画者的状态。

文森特·梵高（Vincent van Gogh，1853—1890），荷兰后印象派画家。代表作有《星月夜》、自画像系列、向日葵系列等。梵高出生于1853年3月30日荷兰乡村津德尔特的一个新教牧师家庭，早年的他做过职员和商行经纪人，还当过矿区的传教士，最后他投身于绘画。他早期画风写实，后受到荷兰传统绘画及法国写实主义画派的影响。 1883年 《荷兰的花床》1886年，他来到巴黎，结识印象派和新印象派画家，并接触到日本浮世绘的作品，视野的扩展使其画风巨变。他的画，开始由早期的沉闷、昏暗，而变得简洁、明亮和色彩强烈。1886年 《菊花和其他花卉》1888年，他来到法国南部小镇阿尔，已经摆脱印象派及新印象派的影响，走到了与之背道而驰的境地。同年与高更交往，但由于二人性格的冲突和观念的分歧，合作很快便告失败。1888年 《盛开的桃花》此后，梵高的疯病（有人记载是“癫痫病”）时常发作，但神志清醒时他仍然坚持作画，1890年7月，他在精神错乱中开枪自杀，年仅37岁。 1890年 《原野》梵高着意于真实情感的再现，也就是说，他要表现的是他对事物的感受，而不是他所看到的视觉形象，他开辟了用色彩表现艺术家主体的情感世界的一条道路。《割耳朵后的自画像》——用痛苦的伤口向世界发言梵高的自画像，往往成为对画家心理探索的佐证，是画家性格特征的一面镜子。这幅作于1888 年2 月的《割掉耳朵后的自画像》，画家有一个高高的向上斜的前额、一个强有力的鹰勾鼻子、三角形不对称的脸孔和那突出的颧骨、下陷的双颊，他的形象给人以极其深刻的印象。画家在描绘自己时，敢于剖析，毫不掩饰地揭示出他性格中最令人感到意外、却又是最为动人的一面。此幅肖像作于他“割耳朵事件”发生一个多月之后。此刻，画家已找到了他内心的自我平衡。《向日葵》——对希望和美好事物热爱的最后灿烂燃烧这幅画被认为是梵高在黄房子里面的最后一幅大型《向日葵》。梵高用简练的笔法表现出植物形貌，充满了律动感及生命力。整幅画仍维持一贯的黄色调，只是较为轻亮。在这幅作品中，再也看不到梵高自画像里那种短促的笔触，在这里，他的笔触坚实有力，大胆恣肆，把向日葵绚丽的光泽、饱满的轮廓描绘得淋漓尽致。他大胆地使用最强烈的色彩，因为他清楚地知道：“岁月将使它们变得暗淡，甚至过于暗淡。”《夜晚的咖啡馆》——高度敏感的知觉力梵高曾说：“对我来说，晚上看来比白天更有活力，更有丰富的色彩，晚上作画，看天上有闪烁的星星，地面有灯光，是一幅很美的与安详的作品。”《夜间的咖啡馆》是同期的作品。他时常觉得夜间比白天更充满着生气蓬勃的色彩，所以几度跑到户外画星星。画中，在煤气灯照耀下橘黄色的天蓬，与深蓝色的星空形成同形逆向的对比，好像在暗示着希望与悔恨、幻想与豪放的复杂心态。梵高已慢慢地在画面上显露出他那种繁杂而不安、彷徨而紧张的精神状况。《星夜》——扭曲、旋转、妖冶、混乱的精神状态这幅画有很强的笔触，画的是一幅望出窗外的景象，画中的树是柏树，但画得像黑色火舌一般，直上云端，令人有不安之感。天空的纹理像涡状星系，并伴随众多星点，而月亮则是以昏黄的月蚀形式出现。油画中的主色调蓝色，代表不开心、阴沉。很粗的笔触，代表忧愁。整幅画中，底部的村落是以平直、粗短的线条绘画，表现出一种宁静；与上部粗犷弯曲的线条却产生强烈的对比，在这种高度夸张变形和强烈视觉对比中体现出了画家躁动不安的情感和迷幻的意象世界。《麦田群鸦》——用油画作的遗书在这幅画上仍然有着人们熟悉的他那特有的金黄色，但它却充满不安和阴郁感，乌云密布的沉沉蓝天，死死压住金黄色的麦田，沉重得叫人透不过气来，空气似乎也凝固了，一群凌乱低飞的乌鸦、波动起伏的地平线和狂暴跳动的激荡笔触更增加了压迫感、反抗感和不安感。画面极度骚动，绿色的小路在黄色麦田中深入远方，这更增添了不安和激奋情绪。也许这幅画是作者在极力表达内心的孤独与压抑，就如画面上的麦田被乌鸦压住的感觉，金黄色的麦田表现出勃勃的生机，亦如作者内心的欲望。看到这幅画给人以震撼的感受，它在表达着一种思想，也在宣泄着这种悲剧的情感。这幅画是以黑暗，严酷的天空显示了梵高的精神状态的困扰，与徘徊不决的通往不同方向的三种途径，与黑色乌鸦架空的预示死亡迹象。在画这幅画的同一个月里，这个伟大的画家结束了自己的生命。1888年 《罗纳河上的星夜》梵高一生经历及情感世界与对其作品高度呼应，梵高的天性如同向日葵系列作品一样，善良质朴、热爱生活、热爱生命、追求真理。咖啡馆系列作品则透露出其本性的直率与不谙世事，所以在社会关系中屡屡受挫，导致了严重的挫败与理想中自我实现的受阻。星空系列则突显了其敏感与偏执的人格特点，再加之患有癫痫，使梵高的精神世界不堪负荷，最终走向了自我的毁灭。*图文素材来自网络，如有侵权请联系删除。

培根，英国现代画家，是一位对20世纪绘画有重要改革的代表性人物。观赏其绘画，宛如直视“人”的原始本貌，既真实又陌生。画家褪去了文明世界的雅致，直击人类本质中的欲望、惊恐、焦虑、蛮暴、怪廖等性质，并且冲撞、纠葛人们最不愿意面对的内心深处的不安。于是，呐喊的齿嘴、狰狞的面容、扭曲的肢体、重叠的影像或透过镜面的反射，全成了培根的绘画物语。培根35岁时才投入绘画，一生没有受过正统美术教育与训练，之后40年多年绘画生涯里，他受过毕加索的影响，也心仪过委拉斯开兹，模仿过凡·高等大师。但终能发展出自己与众不同的独特的极端个人的绘画风格。培根拥有绝佳的绘画技巧，没有任何一位认识人像画的困难的人会对于培根在油画上的处理和表现方式不感到佩服。这种罕见的完善的背后是他无比的毅力及对他所选择的媒介的彻底了解。培根喜欢畸形和病态的主题，最擅长运用多变的技法以有力笔触表现人物形象的孤独、野蛮、恐怖、愤怒和兴奋。并根据自己内心的幻象和痛苦，运用漩涡式样的笔触，表现被摧残后的扭曲和破碎的心态。培根作品中的精神恐慌在冲击力上既是情节剧般的，又是心理上的，常常看似直接来源自二战后灾难性新闻报道和集中营、大屠杀的视觉描述，带有一种超现实主义的危机感和一种想像中的模糊动感。培根形容自己的作品是“试图把某种情绪形象化”。他喜欢表现孤独和苦恼的主题。他所绘制的人物在画面上变成了令人不适一种恐怖，巨大的苦痛感撞击着观者的心灵。正是这种敢于直视内心感受，毫不介意地表现在公众视野当中，引起了人们的内心关注，也让当时的画坛为之震撼，有人称他为现代心灵描绘大师，作品直击心灵。

“艺术家的责任即是将光带去人们心底最黑暗的地方并照亮。”                                                                              ——舒曼疫情给全世界带来严重的影响，也给这个春天蒙上灰色。今天，我们借助法国画家安德烈·德朗的眼睛，去感受一下春天的气息，希望借助这种艺术的力量，把心照亮。安德烈·德兰(André Derain，1880-1954)，法国画家、雕塑家，是野兽主义最重要的实践者之一，是20世纪初期革新性绘画的先驱和现代艺术运动最杰出的人物之一。他和亨利·马蒂斯（Henri Matisse）、莫利斯·德·弗拉芒克（Maurice de Vlaminck）都是野兽派绘画最重要的领袖和缔造者。安德烈·德朗出生于法国沙东，1905年的夏天，与野兽派创始人亨利·马蒂斯一起在法国南部旅行作画，也是在那儿，这两位艺术家开始了一系列“狂野”的绘画实验：德朗在画布上直接用纯色的管子涂抹，他运用强烈的色彩大胆描绘出简洁化的绘画，画布上有一片白色的地面，刷上厚厚的方形毛笔，使画图表面呈现出马赛克的样子。生动，不自然的色彩使评论家路易斯·沃克斯勒（Louis Vauxcelles）嘲讽地将他们的作品配称为les Fauves（“ 野兽 ”），标志着Fauve运动的开始。Fauve运动持续了三四年，安德烈·德朗之后的作品有明显的转向，画面、色彩更加平稳和安静，形成了自己的特色。德朗首先发现黑人艺术，认识到民间艺术的丰富和想像的浓郁，大自然是他创作灵感的源泉，他早期的作品大多取材于自然：《威斯敏斯特大桥》1906年 《威斯敏斯特桥》是他野兽派画中的代表作。德朗选择了高视点的构图，把大片绿色、黄色、红色和蓝色作为主色铺展。这些色块的强烈对比，使画面充满节奏和张力。那弯弯扭扭地缠结在大片补色块面上的纯色树枝，让对比色互相调和。全画色彩斑斓，色调明亮，形状简洁，笔触有力，反映出德朗处理画面色彩与结构的非凡技巧。《科利乌尔的山》1906年他懂得颜色的全部魅力,用色大胆，但他始终关心着形和结构的简洁与鲜明。《马蒂斯肖像》1905年德朗在绘画中融入情感，展现深层次的真理。此肖像画中，德朗大胆地摒弃了写实手法，令马蒂斯强烈真挚的个性跃然纸上。德朗的这些作品，色彩具有爆炸的耀眼光芒，令观者振奋，也反映了这位艺术家在处理画面色彩与结构的非凡技巧。点彩技术和各种纯色的使用使得画面具有事物处于镶嵌中的奇妙效果。除了点赞这位艺术家的艺术造诣外，我们还要好好品味艺术家作品中色彩带给我们的观感：耳目一新，瞬间活血的感觉。之所以有如此感受，是因为几幅作品中都大篇幅使用了红色和黄色，在色彩心理学里，红色是最具生气的色彩，象征着鲜血、烈火、生命和爱情，它饱含着一种力量、 热情，它会刺激和兴奋神经系统，增加肾上腺素分泌和增强血液循环。当一个人心情抑郁时，看到红色可能会渐渐转换情绪状态；而黄色是色彩中最亮的颜色，也是最令人愉快的颜色，具有轻盈明快、生机勃勃、温暖、愉悦、增进食欲、提神的效果，可刺激神经系统、改善大脑功能、激发智能、刺激思维、提高集中力，常为积极向上的光明象征。也许德朗在创造这些作品时并没有刻意，但我们看他创作作品的年龄，大概在25岁左右，也就是他人生中精力最旺盛的时期，而此时的他还处于事业发展的高峰，生命中绽放的活力和情绪中迸发的喜悦自然能通过他的作品表露无遗。色彩本身是没有灵魂的，却被艺术家的手用于表达灵魂。愿在疫情中的你，也找机会通过色彩点缀一下心情吧，因为色彩“懂你”。作者：陈艳芬

蔡康永在一篇博文中这样写道：“草间弥生不知是在哪面墙上钻了一个洞，窥知了造物者的某个手势或背影，她从此寄居于这面墙上，在两个世界间来回顾盼。”这位日本国宝级艺术家的名字一出现，就常常引发各种膜拜和追捧，关于她的艺术衍生品更是在世界范围内热卖，一个被称为“怪婆婆”的女人到底为何有如此魅力？尽管患有精神分裂症、性格极其孤僻、三天两头轻生，但她没有改变自己去适应这个世界，相反，她选择利用绘画征服世界。她的作品“无限镜屋”，每人的观看时间只有 45 秒，因为在门外还有 16 万人在排队。小时候就不爱笑的草间弥生草间弥生出生在日本的一个富裕家庭，但她从小性情阴郁。10岁那年，她患上了神经性视听障碍，经她的主治医师诊断还伴随着精神分裂症。草间弥生看到的世界仿佛隔着一层斑点状的网，同时她也被大量幻觉困扰，因而常常有自杀冲动。于是，她开始用绘画释放恐惧，试着用重复的圆点把自己的幻觉表现出来并沉迷其中。草间弥生当时为母亲画的铅笔画已充满了小圆点。这些小圆点被当作是她与世界沟通的途径，她偏执地画下自己畏惧的东西，使之成为常态，从而进行自我治疗。草间弥生的母亲专心于家族生意，对女儿的疾病一无所知。她认为草间弥生应该成为“收藏艺术品的富家女”而非食不果腹的艺术家。于是，母亲便毁掉了女儿的画布，罚她和工人们一起干活，还经常把她关起来打骂，强烈的恐惧感让草间弥生的精神濒临崩溃。虽然童年记忆不尽美好，却极大地激发了草间弥生的创造力。她不但做出了幻觉中那些张牙舞爪跟她说话的花卉植物，还把它们做得越来越庞大，花与植物成为草间弥生后来知名的创作主题之一。1957年，草间弥生拿到去美国的签证，这时她与母亲决裂，在家外的河堤上毁掉了数千件作品，表达对母亲的愤怒，并决心彻底舍弃过去。在美国，孤独而执着的草间弥生用自己的努力去赢得了艺术界的重视，虽然被排斥，但是她在很大程度上深深影响着美国主流的艺术家。到70年代初，草间弥生迎来了她在纽约最辉煌的时期，被称为“波点女王”，引领着时尚。1977 年，精神疾病恶化的草间弥生自愿住进了东京的精神病院，但每天仍然坚持创作 8 小时以上。南瓜是草间弥生后期的经典创作，这幅「蓝色南瓜」拍卖估价达 175万人民币。如今，这位 88 岁的老人每日往来精神病院和自己的工作室。她还是孤僻，精神分裂症愈发严重，对自己前一天做过的事，毫无记忆。除了艺术创作外，最想做的事，还是自杀。她曾经常对媒体表示“如果不是为了艺术，我应该很早就自杀了。”在这里她完成了出南瓜以外更多的作品。草间弥生的近作中鲜艳的平面图案是诡诈的，持久凝视其作品，它们即刻将你催眠进入她熟悉的黑暗里和令人眩目的深渊中。草间弥生为自己荒诞的幻想赋予了一个明确的形式，她再一次证明，创造力足以战胜自我的退化。草间弥生的一生充满了传奇。自幼得病的她，并没有让幻想吞噬了自己，利用绘画作品，她的思想得以表达，她的情绪能够得到释放。绘画作品是她的工具，更是她的武器，她热情的表达着自己，绘画拯救了她孤独，让她的灵魂得到安放。

人人都想过得幸福，可是怎样才能获得幸福呢？苏联教育家苏霍姆林斯基说过:“对人来说,最大的快乐,最大的幸福就是把自己的精神力量奉献给他人。 今天就要带大家走近一位先生，他出身贫民，小小年纪就开始当童工，一生过得很辛苦，却从不抱怨，孜孜不倦，在他的生命中从未放弃过对美的追求，他的画作广为流传，是印象派中最为人们喜爱的，有着极高的艺术和观赏价值。看到这里也许有人会说很多画家都是这样，历经坎坷，梵高、莫奈……不也是如此吗，此话不假，但今天的主角独特之处在于他对生活的态度和对美的追逐。生活经历造就了他独特的绘画风格，高超的绘画技术又使他的作品生动靓丽，在欣赏这些美丽画作之前，让我们先简单了解一下画者。1841年，法国一个穷裁缝家诞生了一名男婴，家人给他取名皮埃尔·奥古斯特·雷诺瓦，当时谁也没有想到这个孩子日后会成为绘画大师。因为家境贫寒，小男孩在十岁左右就开始在陶瓷厂做工养家糊口了，白天他要在工厂给陶瓷上釉彩，闲暇时还要帮妈妈编织蕾丝。这些经历不仅让他走上了绘画之路，还使他的作品别具风格，他作品中的女性堪称完美，这是因为他不仅对瓷器釉料颇有研究，还因为他对女性服饰也十分了解。1862年雷诺瓦正式在巴黎习画，当时他认识了很多画家朋友，这里边就包括莫内。莫内的画景物较多，雷诺瓦画人比较多，可见他更关注人性的自由和解放，他也很尊重女性，因此女子是他作品中很重要的一个题材，专业人士评论说他笔下的女性美得都要融化了，现在我们就来欣赏今天的第一幅画《包厢》。 《包厢》雷诺瓦1874整幅画以黑、白、褐色为主，这反而凸显了女士的朱唇，另外粉红色点缀的装饰也让画面鲜活靓丽起来。请特别注意这幅画上两个人的神情，他们正各自全神贯注地投入在自己的事情里，活灵活现的呈现出包厢里的一幕，让人不禁思寻起来：那时贵族们到底过着怎样的生活？这幅图虽然四周被切割了许多，只突出包厢里那个贵妇人的形象，但雷诺瓦渲染的色彩氛围，使观者立刻能从中感受到剧场观众的气氛。画中女士盛装出场，对比鲜明的条纹外套时尚又大胆，头带鲜花，皮肤白皙，裸漏的脖颈用层层珍珠项链装饰，胸口上的别针也很精致，她左手还拿着一个金色的小望远镜，贵妇人的化妆的面庞和后面绅士形成了鲜明的对比，愈发显得精致大方。 《艾密丽欧夫人》雷诺瓦1876第二幅画是雷诺瓦1876年画的《艾密丽欧夫人》，画面以冷色、淡色为主，夫人身体朝向左边，面部向前，粉白的皮肤和纱质的服饰，让人瞬间体会到一种梦幻朦胧之美。优雅的盘发、弯弯的眉毛以及手臂柔和的曲线无一不透露出温婉、柔和的女性美；颈部的项链高雅又时尚，画中唯一用了黑色的地方就是人物的眼睛，一双明眸镶嵌在温婉娇柔的面庞上，显得如此清澈动人，鼻翼的阴影更是增强了五官的立体感，愈发突出夫人高贵的气质。手臂缠绕的纱质织物还为整幅画增添了一丝仙气，一看这位夫人就生活得很精致。难怪人们说雷诺瓦笔下的女性是最美的，雷诺瓦曾经在瓷器厂工作，他画中的瓷器追求温润如玉，他也把这种质感运用在了女性的皮肤上，才能创作出皮肤如此美妙的女士。 《夏潘帝雅夫人和他的孩子们》雷诺瓦1878为了生计，雷诺瓦曾给许多富有的中产阶级画过肖像，《夏潘帝雅夫人和他的孩子们》就是其中之一，这幅作品充分发挥了雷诺瓦根底深厚的造型技巧，他以空间宽广的室内环境烘托出夏潘帝雅夫人和两个女儿在一起那种温馨的场景。作品基本上采用了暖色调，这为整幅画定下了和谐、温暖的基调。母女衣着对比又显示出各自的性格，母亲那端庄的黑绸长裙展现出贵族才有的得体、沉稳及高雅；小女孩们的活泼与乖巧，被粉蓝色恰到好处地描绘出来。母亲眼里充满爱意的看着她那两个可爱的女儿，女孩们面部表情被描绘的纯真而生动，最左侧的宠物狗安静的趴在地上，一切都让人觉得是那么美好，场景令人舒适。无论是人物身后的日本孔雀屏风、价值不菲的地毯，还是桌上异域风情的花瓶都显示出这个家庭物质上的富裕，这幅画没有讲大道理，它给人一种踏实、舒服的感觉，不仅因为画面很和谐，更因为这仿佛就是理想的生活状态——富有、温馨、有教养、有品位，整幅画面洋溢在一片幸福的氛围之中。  《弹钢琴的少女》雷诺瓦1892上边这幅画《弹钢琴的少女》同样大面积使用了暖色，构图精美，色彩极为柔和优美，顺畅的线条勾勒出两位天真烂漫的少女阅琴谱的场景。这幅画创作于1892年，那个年代只有富裕家庭的女孩子才有能力学习音乐这种高雅的艺术，她们弹琴的场景一定如童话般美妙，就像画里表现的那样：两个女孩一个坐着抬头仰视，一个站在旁边，一手撑在椅子上，丰满、明亮的脸颊和优美、细腻的手臂赋予了画面生命感，认真阅读的女孩让整个氛围充满了甜美和纯真。这一切都带给观者一种说不出的愉悦，雷诺瓦用画面让大家感受一种人人都向往的美好场景——富足、温馨、有教养、有内涵。这种美好的生活并非人人都能拥有，但每个人都可以欣赏、也能向往，在他看来这就是一种美好，因为存在美的地方就是幸福的。  《阅读的女人》雷诺瓦1900雷诺瓦是善良、质朴的，即便成名后也没什么架子，他一直很尊敬女性，不断用绘画记录她们的美，哪怕这种美好只有片刻。《阅读的女人》是他1900年的作品，画中一位女子慵懒的蜷缩在椅子上认真阅读，虽然只是背影，但女孩投入的神情仿佛就在眼前。在雷诺瓦心目中，女性的美并非只有优雅和得体，回家后放松阅读的姿态也是如此美妙。 看了这些也许会认为雷诺瓦生活的很好，才能创作这么多美好的画面，其实情况恰恰相反，雷诺瓦50岁以前一直很穷困，很多时候甚至连房租都交不起，等他经济稍微有点好转的时候却患上了严重的类风湿性关节炎，又因为中风50岁左右雷诺瓦就瘫痪了，从此便离不开轮椅，难以承受的疼痛常常让他不能入睡，随着病情的加剧他的手指也不如正常人灵活了，很难想象这样一位老人是如何完成那么多惊世巨作的。晚年雷诺瓦需要别人帮他把笔固定在手上后才能作画至今在他的画室里还保留着一个轮椅，雷诺瓦每天早上醒来后让人用麻绳和布条把他绑在轮椅上，他才能开始一天的工作。因为他的手指不能弯曲，所以画笔还需要有人帮他固定在手上，可即便这样他也不曾停歇，更没有任何抱怨，一心沉浸在艺术的创作中。为了防止长压疮 影片中暮年雷诺瓦晚上只能睡在特制的笼子里《印象雷诺瓦》是讲述雷诺瓦晚年生活的影片，其中有这样的一个场景，每天入睡前，女仆们都要揭开缠绕在雷诺瓦手上，帮他固定画笔的绷带为他洗手，这个过程让雷诺瓦痛苦不堪，他不想让儿子们看到这个场景，于是示意他们离开。晚年时疾病的折磨和工作的辛劳也常常让他在深夜里痛醒过来。 《玫瑰》雷诺瓦1910这幅《玫瑰》是大师1910年创作的，当时年近70的雷诺瓦已被病痛折磨了20年，但盛开着的玫瑰是他用最大的热情拥抱整个世界，无论现实怎样痛苦，还能看到美，就是幸福。这幅画的色彩依旧十分温馨，花瓶上的反光处理，让人身临其境，此刻生命也应为之感动。 《法兰西斯小姐 肖像》雷诺瓦1917《法兰西斯小姐 肖像》创作于1917年，两年后，这位大师去世了。晚年雷诺瓦对美的诠释，更多不再是那些高贵典雅的淑女，我们不难理解对一位病人来说，健康才是幸福，健康就是美，这也许就能解释为何雷诺瓦50岁以后创作的女性都明显比较丰腴了。不过美好、温和一直是他作品的风格，这似乎就像他本人一样。 雷诺瓦1841-1919 电影《印象雷诺瓦》中他的儿子让·雷诺瓦说“爸爸不让家人叫他艺术家，他说自己是画匠。”雷诺瓦是质朴的，他从无高傲的表现，他一定也是善良的、勤奋的，所以才能把美淋漓尽致的展现出来。色彩、光线、生活，这三样东西激励着雷诺瓦投身于绘画，倾注以全部的激情，他所表现的都是日常生活的内容，可他却能持之以恒，以他最习惯的方式表现最常见的场景，不断从生活中发现美，在画作中创作美。雷诺瓦以人物画闻名，因为他很关注人的自由和解放，而且他的画作中很少有表达苦痛或压抑的情感，反而常常能感受到美和温暖。他对儿子让·雷诺瓦说：画画是一件美好和快乐的事情，忧伤、痛苦、沮丧已经够多了，我不想画这些，至于战争，我更不会画。雷诺瓦的绘画是一种快乐、一种愉悦，是一种对美的探索，更是一种对幸福的诠释，正因如此，人们送给雷诺瓦一个外号——幸福画师。雷诺瓦通过他的作品告诉我们获得幸福的途径，原来幸福应该是发自内心的，发现生命中的美好就是获得幸福的秘诀，因为如果人们不仅能够执着地追求美，而且能够敏锐地发现美、自觉地创造美，那么，不仅他们自身会变得更加美好，而且整个社会、我们周围的一切，也都会变得更加美好。正如俄国哲学家别林斯基所说：美，都是从灵魂深处发出的。

今天与大家分享的绘画作品，是《父亲与女儿》系列插画，来自于乌克兰插画师Snezhana Soosh。Soosh从小和父亲的关系不好，因为小Soosh比较调皮，父亲看到后会经常责骂她，三番五次后，Soosh越来越惧怕父亲，见到父亲不敢说话，生怕说错一句再挨批，两人的关系像皮筋一样越拉越远，每一次相聚都变成了激烈的碰撞，父女关系从日渐紧张到习以为常。他们永远看不到对方的爱，互相的缺点却越放越大，厌恶和憎恨伴随着Soosh的整个童年。本该拥有父爱的Soosh，却没有感受到任何父爱的温暖，这让她变得越来越孤僻。不善言辞的人最好的表达方式就是画画，于是Soosh给自己定下一个长远的目标，一定要学会画画。终于在2016年初，Soosh认为自己可以创作了，她便把藏在心里的那份，可望不可即的爱，用手中的水彩笔画了出来。她用色柔和，人物造型别具匠心，画面展现了温馨柔美的氛围。把父女之间交流互动的生活情节，用轻松的笔触，细腻、生动地呈现出来。从画面溢出来的，是父亲对小女儿满满的怜爱之情。让我们通过画面，去体会“大爸爸和小公主”的世界。爸爸会时刻保护女儿，不管是外界的伤害，还是床底下的小怪物。爸爸敢于突破自己，敢于尝试，原来粗线条的男性也有心细如发、温柔体贴的一面，这是他对自己爱的人才会有的改变。爸爸会让女儿趴在他的胸膛上睡觉，一起享受午后时光。爸爸会让女儿骑在自己的脖子上，一边走路，一边说悄悄话。爸爸为了心爱的女儿，高大的身躯可以轻易地缩成一团。即使爸爸非常忙，也总是挤出时间来参加女儿的小茶会。爸爸总是想方设法地让女儿开心。爸爸会在观众只有女儿的地方，上演精彩节目。爸爸即使再忙，也会放下工作，陪我们玩耍。在爸爸的帮助下，我们学会了探索世界。爸爸不但照顾我们，还关照我们的朋友。炎热的夏天，爸爸会用独特、有趣的方式带女儿解除天气的烦闷，一起享受风的喜悦。收拾好行李和女儿一起来个说走就走的旅行，上演一出爸爸去哪儿。他可以为女儿亲自下厨，精心做一顿香喷喷的饭

提起精神病，很多人对其存在种种的偏见，但就其本质而言，精神疾病，类似身体疾病，只是身体类疾病发生在躯体上，而精神类疾病发生在精神或者心理层面上。 小知识精神分裂症（schizophrenia）是一组病因未明的精神疾病，多发病于青壮年，常缓慢起病，具有感知、思维、情感、行为等多方面的障碍，以精神活动和环境不协调为主要特征。病程迁延，有慢性化倾向和衰退的可能，但部分病人可保持痊愈或基本痊愈状态。关于精神分裂症如何看待自己，有一个画家他用自画像来记日记，画作展现了精神分裂症患者的内心世界。 Bryan Charnley，（1949-1991）英国画家。1967年，16岁的他被诊断为精神分裂症，一生经历着治疗（包括ECT，即电惊厥治疗）。1991年，Bryan Charnley突发奇想，想通过改变自己服用的药物量来使自己的体验精神分裂症，并绘制自画像。1991年4月16日看起来不错吧？此时的用药为氟哌噻吨3mg，每日两次，阿米替林25mg，每日两次，我睡得很香。（氟哌噻吨：一代抗精神病药物，现已基本不单独使用，而是与三环类抗抑郁药盐酸美利曲辛合用于抑郁症、焦虑症的治疗。但会增加自杀风险。维持剂量5-20mg；最大剂量300mg阿米替林：三环类抗抑郁药，可加重精神病性症状；维持剂量50-150mg；最大剂量300mg）1991年4月20日17日我将氟哌噻吨减量为3mg，现在体验到很大的变化。我非常偏执，楼上的人正在读取我的思想，画中巨大的兔子耳朵表示我对于人们说话的声音很敏感1991年4月23日我受了Louis Wain《猫》系列的影响，打算画一系列我的自画像。我觉得周围的人都有特异功能，所以我与他们相比只是一个残疾人（所以我在五官上打了叉）1991年4月24日那些弧线表示嘴巴，头部的那些点点是我的血弄到画上形成的。我在抽烟。我没有画眼睛。我仍然再用3mg日一次的氟哌噻吨，但我知道我在这么低的药量下坚持不了多久。1991年4月29日我在24日吃了15片氟哌噻吨（45mg），但好转不明显。我想戒烟。看到那句话了吗？Love is Strange。 1991年5月2日药物开始起效了。我将氟哌噻吨降到了6mg，阿米替林60mg。我用那个双头人（有一个头是鼻子）来表现我脑子中争斗的思想。晾衣绳表示我的思想正在被展览着。那个戴帽子的人在监视我。1991年5月6日我说的话不是我先要说的，我用嘴上的钉子来表示这一点。我很受伤。氟哌噻吨6mg，阿米替林50mg1991年5月14日那条罗马兵的腿表现了我的恐惧，但画中那个折断了脊柱的自杀少女不是意大利人。1991年5月18日我从19日开始，把阿米替林减为25mg了，我的脑子像一个大嘴，不再受我的控制。我的左边有一颗破裂的心。嘴上的钉子还在。1991年6月23日因为我减少了阿米替林的剂量，所以我很抑郁，所以画面是蓝色的。无线电波可以控制我。1991年5月24日似乎我的心碎了是这一切的原因。那些毛茸茸的是蜘蛛的腿。19日我将氟哌噻吨降到了4.5mg，阿米替林25mg。1991年6月8日到处都是蜘蛛的腿。画面中的白色代表我的思维。1991年6月13日脑袋像鸡蛋壳一样被打碎，里面空空如也，没有秘密可以隐瞒。到处都是评论我的嘴。我现在的药量是每天氟哌噻吨4.5mg。我已经把阿米替林完全停掉了，我很抑郁，想自杀。1991年6月13日每个人都想把脚伸入我的门里，他们像开宴会吗？我的嘴被订住，舌头被系起，表示我没法回应他们。1991年6月27日我是透明的，有个人在我的脑里操纵我（你看见操纵杆了吗？）我在6月22日时，把氟哌噻吨减到了每日3.7mg。最后的两幅自画像没有文字说明，它们是人们在画家自杀后的画室中发现的。 通过画面以及画家自己的描述，我们有机会可以看到精神分裂症患者所经历的世界。 特别提示，一旦发生疾病，应该及时治疗，听从医嘱，不可轻易停药或者减少药物用量。

文森特·梵高（Vincent van Gogh，1853—1890），荷兰后印象派画家。代表作有《星月夜》、自画像系列、向日葵系列等。梵高出生于1853年3月30日荷兰乡村津德尔特的一个新教牧师家庭，早年的他做过职员和商行经纪人，还当过矿区的传教士，最后他投身于绘画。他早期画风写实，后受到荷兰传统绘画及法国写实主义画派的影响。1883年 《荷兰的花床》1886年，他来到巴黎，结识印象派和新印象派画家，并接触到日本浮世绘的作品，视野的扩展使其画风巨变。他的画，开始由早期的沉闷、昏暗，而变得简洁、明亮和色彩强烈。1886年 《菊花和其他花卉》1888年，他来到法国南部小镇阿尔，已经摆脱印象派及新印象派的影响，走到了与之背道而驰的境地。同年与高更交往，但由于二人性格的冲突和观念的分歧，合作很快便告失败。1888年 《盛开的桃花》此后，梵高的疯病（有人记载是“癫痫病”）时常发作，但神志清醒时他仍然坚持作画，1890年7月，他在精神错乱中开枪自杀，年仅37岁。 1890年 《原野》梵高着意于真实情感的再现，也就是说，他要表现的是他对事物的感受，而不是他所看到的视觉形象，他开辟了用色彩表现艺术家主体的情感世界的一条道路。《割耳朵后的自画像》——用痛苦的伤口向世界发言梵高的自画像，往往成为对画家心理探索的佐证，是画家性格特征的一面镜子。这幅作于1888 年2 月的《割掉耳朵后的自画像》，画家有一个高高的向上斜的前额、一个强有力的鹰勾鼻子、三角形不对称的脸孔和那突出的颧骨、下陷的双颊，他的形象给人以极其深刻的印象。画家在描绘自己时，敢于剖析，毫不掩饰地揭示出他性格中最令人感到意外、却又是最为动人的一面。此幅肖像作于他“割耳朵事件”发生一个多月之后。此刻，画家已找到了他内心的自我平衡。《向日葵》——对希望和美好事物热爱的最后灿烂燃烧这幅画被认为是梵高在黄房子里面的最后一幅大型《向日葵》。梵高用简练的笔法表现出植物形貌，充满了律动感及生命力。整幅画仍维持一贯的黄色调，只是较为轻亮。在这幅作品中，再也看不到梵高自画像里那种短促的笔触，在这里，他的笔触坚实有力，大胆恣肆，把向日葵绚丽的光泽、饱满的轮廓描绘得淋漓尽致。他大胆地使用最强烈的色彩，因为他清楚地知道：“岁月将使它们变得暗淡，甚至过于暗淡。”《夜晚的咖啡馆》——高度敏感的知觉力梵高曾说：“对我来说，晚上看来比白天更有活力，更有丰富的色彩，晚上作画，看天上有闪烁的星星，地面有灯光，是一幅很美的与安详的作品。”《夜间的咖啡馆》是同期的作品。他时常觉得夜间比白天更充满着生气蓬勃的色彩，所以几度跑到户外画星星。画中，在煤气灯照耀下橘黄色的天蓬，与深蓝色的星空形成同形逆向的对比，好像在暗示着希望与悔恨、幻想与豪放的复杂心态。梵高已慢慢地在画面上显露出他那种繁杂而不安、彷徨而紧张的精神状况。《星夜》——扭曲、旋转、妖冶、混乱的精神状态这幅画有很强的笔触，画的是一幅望出窗外的景象，画中的树是柏树，但画得像黑色火舌一般，直上云端，令人有不安之感。天空的纹理像涡状星系，并伴随众多星点，而月亮则是以昏黄的月蚀形式出现。油画中的主色调蓝色，代表不开心、阴沉。很粗的笔触，代表忧愁。整幅画中，底部的村落是以平直、粗短的线条绘画，表现出一种宁静；与上部粗犷弯曲的线条却产生强烈的对比，在这种高度夸张变形和强烈视觉对比中体现出了画家躁动不安的情感和迷幻的意象世界。《麦田群鸦》——用油画作的遗书在这幅画上仍然有着人们熟悉的他那特有的金黄色，但它却充满不安和阴郁感，乌云密布的沉沉蓝天，死死压住金黄色的麦田，沉重得叫人透不过气来，空气似乎也凝固了，一群凌乱低飞的乌鸦、波动起伏的地平线和狂暴跳动的激荡笔触更增加了压迫感、反抗感和不安感。画面极度骚动，绿色的小路在黄色麦田中深入远方，这更增添了不安和激奋情绪。也许这幅画是作者在极力表达内心的孤独与压抑，就如画面上的麦田被乌鸦压住的感觉，金黄色的麦田表现出勃勃的生机，亦如作者内心的欲望。看到这幅画给人以震撼的感受，它在表达着一种思想，也在宣泄着这种悲剧的情感。这幅画是以黑暗，严酷的天空显示了梵高的精神状态的困扰，与徘徊不决的通往不同方向的三种途径，与黑色乌鸦架空的预示死亡迹象。在画这幅画的同一个月里，这个伟大的画家结束了自己的生命。1888年 《罗纳河上的星夜》梵高一生经历及情感世界与对其作品高度呼应，梵高的天性如同向日葵系列作品一样，善良质朴、热爱生活、热爱生命、追求真理。咖啡馆系列作品则透露出其本性的直率与不谙世事，所以在社会关系中屡屡受挫，导致了严重的挫败与理想中自我实现的受阻。星空系列则突显了其敏感与偏执的人格特点，再加之患有癫痫，使梵高的精神世界不堪负荷，最终走向了自我的毁灭。*图文素材来自网络，如有侵权请联系删除。

明明是不同的世界、明明是不同的故事，但是却能完美的无缝衔接，不管你怎样反复查看，也难以分清明确的界线在哪里？这便是由加拿大艺术家罗布冈萨尔维斯 ( Robert Gonsalves) 带来的一系列超现实插画。冈萨尔维斯从小就对艺术有很大的兴趣，12岁时，由于建筑艺术方面的经验积累，他的视野变的更加的广阔，与此同时，他接触到了萨尔瓦多达利和雷尼马格利特，两位大咖的学术观点对他的创作产生了深远长久的影响。他的绘画作品通常都会令人十分费解。当你浏览的时候可能并没有发现什么不对,但是你仔细看的话，会发现这些插画简直是绘画界中的“盗梦空间”!让你不禁怀疑在他的这些插画中是否有真实的东西存在。在他的画中,你可以看见一种事物的消失和另一种事物的呈现无缝衔接。。你会想：哇，还可以这样，简直太不可思议了！我们可不可以称他的作品为魔幻现实主义呢?在他的这些作品中，你会发现明明是两个完全不同的世界，却被画家完美地衔接了起来，你甚至无法找到任何违和感。冈萨尔维斯的作品多数充满童趣或者神秘色彩，利用这种双重画面的视觉中心，就好像画家在窥探另一个不为人知的空间，直达人心。 （图文素材来自网络，如有侵权请联系删除。）