- END -*部分素材来源于“云盛京”、“光明教育家”媒体平台的相关报道编辑：刘瑶审核：常书远 知绘心理

今天要介绍的主角Kate能成为一名小画家，完全出于偶然，如若不是遇见一名有真知灼见的艺术老师，她可能会永远躲在自己的保护壳中，无法展示自己的才华，更不会在精神分裂无尽的漩涡中，找到出口。 正值花季17岁的Kate却被确诊为精神分裂，被贴上了“精神病”的标签。由于长期的误诊、耽搁，那时的她已经存在严重的症状。幻觉在她脑中盘桓，挥之不去，愈演愈烈。 她能听到特殊的声音，有时很清晰，更多时候，像噪音一样不可名状。 她会看到很多交错的面孔，奇特的眼睛，和光怪陆离的场景，它们在空中扭曲和旋转。 有时她会看到天花板上长着3只眼的蜘蛛爬过，骇人的样子让她夜不能寐。 有时是一双瘆人的眼睛，直勾勾地盯着Kate让她瑟瑟发抖。 她一直都在逃离，逃离幻觉，逃离恐惧，日子过得战战兢兢。祈祷救赎，却也无能为力 在艺术老师的启迪下，Kate意识到：与其被幻觉追着跑，不如反过来接受它，将它转变成更有意义的东西。于是她开始学习画画，她要将这些或许可怕，但很离奇的幻觉展示出来。 于是，一个光怪陆离的世界开始在她笔下缓缓展开。 当她照镜子时，镜子中出现的。不是少女青涩的脸庞，而是一张狰狞的面孔，于是她便画下这恐怖的一面。 有时，面目可怖的人脸会出现在她眼前，并发出惊悚的笑声，即使这样，Kate也能在全身起着鸡皮疙瘩的情形下将它们画出来。 带着小红帽的谜样生物，常将她带往一个神奇的世界。 她会发现，一堆形状奇特的眼睛，它们成群结队，在屋子里徘徊、旋转， 她总能看见眼睛，她的眼睛，充满奇怪的颜色和斑点，意义不明，却拒绝无视。 由于幻觉无处不在，Kate失去了接触一些事物的机会，不能像正常人一样融入社会。很多时候，她觉得自己像只苍蝇一样毫无价值，作品中出现的最多的也是这类小动物，充分展示了Kate自认为的脆弱和渺小。 有时她会莫名地焦躁、愤怒，被各种复杂的情绪裹挟，她会听见一个充满诱惑的声音，蛊惑她毁掉一切…… 她每天都在战斗，和幻觉，和抑郁战斗。组织沟通、抑制情绪，是她最大的挑战。 她的生活并不轻松，而且随时都会变得更糟。而令人担忧的，并不完全是幻觉。还有周围人数不尽的偏见，这让她在病痛之中更添一份孤独。 Kate表示自己很讨厌“精神病”这个词汇，因为人们一旦知道她有这种疾病，就会本能地把她想象成好莱坞电影里那种神神叨叨的刻板印象，从而用有色眼镜看待她，像防范猛兽一样远离她。 但Kate并不像人们所想的一样，在大街上一本正经地叫着自己看到了外星人，也不会随意攻击别人。 大多数时候，Kate只是默默待在家里，把自己关在房间里，不跟人交流，也不给人添麻烦，画画是她唯一的出口。 Kate的幻觉不总是骇人的，时常会有善意和有趣的画面出现。有时，她会看到一只色彩斑斓的小鸟，为她歌唱。 有时，她会看到飘满蚕豆的小狗，她忍不住给它填上了桃心和鲜亮的色彩。 有时看见气球一样圆滚滚的动物，像极了吃胖的猪、老鼠，大象。看起来还有点萌。 通过绘制幻觉，Kate逐步学会和它们和平共处，并积极接受治疗。曾经，世界对她而言，“冷漠而遥远”如今，18岁的kate却表示感谢这些幻觉。她乐意将自己的幻觉转化为艺术，这不仅让她感觉好多了，而且，我知道有很多人和我一样。” 同样的处境，有的人拒绝接受现实，朝虚妄之地愈行愈远，最终抛弃世界，也失掉了自己。 而Kate则选择逆向而行，面对残缺的心灵，她选择拥抱和自我救赎。 她在绘画中认识自己，认清现实，重拾希望与爱。 Kate的故事告诉我们：如果无视症状，并不能帮助我们减轻痛苦，那么，不如正视它们。 绘画是一种表达自我和传达情感的方式。Kate将自己的愤怒、恐惧和焦虑，转化为可视的画面，宣泄囿于大脑的奇特画面和声音，开辟了一道与精神世界沟通的特别路径，最终释放了被幻觉裹挟的自我，也为自我融入现实生活找到一个入口。绘画让她成为了网络名人，感受到了来自外界更多的爱和善意，给她原本封闭的生活带来了不少乐趣。作者：苏丽婷 知绘心理微信号｜zh-psy

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2021年拍卖会上最贵的艺术品大都由众人熟知的19和20世纪知名男性艺术家所主导。11月11日,在佳士得纽约拍卖现场，一幅《橄榄树和柏树间的木屋》吸引全场目光。最后，以其成交价格7135万美元成为仅次于《有围栏的麦田和犁田的人》与《加歇医生肖像》的梵·高拍卖作品。这幅画为何能创造如此高价？这要从其橄榄树林系列作品的特殊性说起……《橄榄树和柏树间的小木屋》绘于1889年，即梵高逝世前一年。当时，梵高已与高更决裂，割去耳朵，正在圣雷米的精神病院接受治疗。这段期间，他常在病院附近作画，深受普罗旺斯的南法风光所吸引，尤其是当地常见的橄榄树，绘出包括此画在内的一系列佳作。据不完全统计，梵·高一生中创作了近20幅橄榄树林题材的画作，其中多达13幅都藏于博物馆中，另有少数被私人藏家持有，极少进入市场流通。梵·高《圣雷米的精神病院和教堂的景色》此外，该系列作品创作的时间也不同寻常。梵·高与橄榄树的渊源要从其晚年的精神状态说起，在其人生中的最后一年，患有严重精神疾病的他搬入了位于普罗旺斯圣雷米的圣保罗精神病院，在此进行治疗修养。法国南部的阳光造就了周围宁静的风景，也造就了梵·高笔下的橄榄树林。梵·高《橄榄园》他在与自然的互动中找到了喘息和解脱的机会。在创作这一系列橄榄树画时，梵高虽饱受疾病和情绪困扰，却展现了极高的艺术水平。艺术评论家罗伯特·休斯（Robert Hughes）认为，梵·高晚期的画作展示了其创作能力的巅峰，这样的独特性赋予了画作更高价值。梵·高《橄榄园》一直以来，橄榄树在人类世界中被赋予众多传奇意义，从遥远的希腊神话之中，雅典娜以一棵橄榄树赢得雅典城到其在《圣经》中频繁现身，橄榄树几乎成为“和平”的代名词，在众多艺术作品中也多有体现。因橄榄树有着数千年的历史，生命力十分强大，能够在任何环境中生存下来，所以除了和平与博爱，它也代表着顽强的拼搏精神，象征生命与永恒。这样的精神鼓舞了处于波动情绪和病魔困扰中的梵·高，为其提供了短暂的宁静，也让其在橄榄树的生命循环中看见了人类世界的类比，使其能够更为深刻地思考死亡、幸福与不幸。在画上，弯曲的线条所塑造成的橄榄树，好似在与周围的环境搏斗。树是那样曳动不安，想要拔出地面，让树枝伸向天空。树身几乎没有一棵是平直的，都在扭动身子,在舞蹈，在挣扎，在发出怒吼。树的伸展状态像一面镜子一样反映着梵·高的内心情绪。在梵·高蜿蜒而曲折的笔触中，人们不仅可以欣赏到其艺术生涯巅峰期的创作，更能感受到其中蕴藏的精神力量与心境变化。

蔡康永在一篇博文中这样写道：“草间弥生不知是在哪面墙上钻了一个洞，窥知了造物者的某个手势或背影，她从此寄居于这面墙上，在两个世界间来回顾盼。”这位日本国宝级艺术家的名字一出现，就常常引发各种膜拜和追捧，关于她的艺术衍生品更是在世界范围内热卖，一个被称为“怪婆婆”的女人到底为何有如此魅力？尽管患有精神分裂症、性格极其孤僻、三天两头轻生，但她没有改变自己去适应这个世界，相反，她选择利用绘画征服世界。草间弥生出生在日本的一个富裕家庭，但她从小性情阴郁。10岁那年，她患上了神经性视听障碍，经她的主治医师诊断还伴随着精神分裂症。草间弥生看到的世界仿佛隔着一层斑点状的网，同时她也被大量幻觉困扰，因而常常有自杀冲动。于是，她开始用绘画释放恐惧，试着用重复的圆点把自己的幻觉表现出来并沉迷其中。草间弥生当时为母亲画的铅笔画已充满了小圆点。这些小圆点被当作是她与世界沟通的途径，她偏执地画下自己畏惧的东西，使之成为常态，从而进行自我治疗。草间弥生的母亲专心于家族生意，对女儿的疾病一无所知。她认为草间弥生应该成为“收藏艺术品的富家女”而非食不果腹的艺术家。于是，母亲便毁掉了女儿的画布，罚她和工人们一起干活，还经常把她关起来打骂，强烈的恐惧感让草间弥生的精神濒临崩溃。 虽然童年记忆不尽美好，却极大地激发了草间弥生的创造力。她不但做出了幻觉中那些张牙舞爪跟她说话的花卉植物，还把它们做得越来越庞大，花与植物成为草间弥生后来知名的创作主题之一。1957年，草间弥生拿到去美国的签证，这时她与母亲决裂，在家外的河堤上毁掉了数千件作品，表达对母亲的愤怒，并决心彻底舍弃过去。在美国，孤独而执着的草间弥生用自己的努力去赢得了艺术界的重视，虽然被排斥，但是她在很大程度上深深影响着美国主流的艺术家。到70年代初，草间弥生迎来了她在纽约最辉煌的时期，被称为“波点女王”，引领着时尚。1977 年，精神疾病恶化的草间弥生自愿住进了东京的精神病院，但每天仍然坚持创作 8 小时以上。如今，这位 88 岁的老人每日往来精神病院和自己的工作室。她还是孤僻，精神分裂症愈发严重，对自己前一天做过的事，毫无记忆。除了艺术创作外，最想做的事，还是自杀。她曾经常对媒体表示“如果不是为了艺术，我应该很早就自杀了。”在这里她完成了出南瓜以外更多的作品。草间弥生的近作中鲜艳的平面图案是诡诈的，持久凝视其作品，它们即刻将你催眠进入她熟悉的黑暗里和令人眩目的深渊中。草间弥生的近作中鲜艳的平面图案是诡诈的，持久凝视其作品，它们即刻将你催眠进入她熟悉的黑暗里和令人眩目的深渊中。草间弥生为自己荒诞的幻想赋予了一个明确的形式，她再一次证明，创造力足以战胜自我的退化。草间弥生的一生充满了传奇。自幼得病的她，并没有让幻想吞噬了自己，利用绘画作品，她的思想得以表达，她的情绪能够得到释放。绘画作品是她的工具，更是她的武器，她热情的表达着自己，绘画拯救了她孤独，让她的灵魂得到安放。

在绘画心理分析中，画者最后呈现的画面是把内在的所思所想转化为外部客体形象的结果。而色彩的描绘正是这一绘画过程不容忽视的部分。作者|苏丽婷2020年12月10日，色彩研究机构潘通（Pantone）公布了2021年度流行色——极致灰（PANTONE 17-5104 Ultimate Gray）与亮丽黄（PANTONE 13-0647 Illuminating），这次的双色组合意在传达持久振奋的力量与希望。这是继2016年的石英粉和静谧蓝之后，第二次出现双色组合。潘通在设计界，是一个家喻户晓的名字。他们是色彩界的“标准制定者”，构建了一套独特的色彩话语体系，每年这家公司发布的年度色，会影响全球1000万设计者的创作思路。潘通还是一家创造色彩的公司。我们今天见到的很多颜色都是潘通“发明”的。从2000年开始，潘通每年都会推出自己的“年度颜色”。这家公司邀请了20位行业专家，从春季就开始反复研究流行色。这些专家的研究过程通常很神秘，他们要从当年社会上发生的各种大事件中汲取灵感，然后闭关讨论，用一种颜色把他们的感受表达出来，整个过程要持续9个月之久。比如2020年，潘通的年度色是“经典蓝”。对此，潘通给出的理由是，当前社会，人们通常会因为科技而感到焦虑，因为科技加速了事情的变化，让我们对很多东西都没法做准备。而经典蓝给了我们一个庇护所，它可以满足人们对于“可靠、稳定的渴望”。经典蓝代表着“没有攻击性”“容易引发共鸣”和“诚实”。说回2021年潘通年度色，极致灰与亮丽黄这两个互相独立的色彩，代表着不同的元素如何在一起支持彼此，最能表达潘通2021 年度代表色的精神：实用又稳固，同时也是温暖又乐观，PANTONE17-5104极致灰+PANTONE13-0647亮丽黄正是力量与正向的结合。潘通认为，极致灰（PANTONE 17-5104 ）象征的是稳定又可靠的素质，像沙滩上石子的色彩，就是大自然最基本的元素。即便经历风霜还是经得起考验，默默的安定人心、促发镇静、稳定与韧性。而亮丽黄（PANTONE 13-0647 ）这热情洋溢又带着积极大胆意味的色调，满足了我们对生命力的追求，温暖如太阳能量的暖黄。潘通的这个色彩组合将深思熟虑的深层感受与阳光友善的希望浓缩在一起，代表着新的一年人们追求能量、纯净及希望，不管未来有再多不确定感都能持续克服。潘通首席行政官 Leatrice Elseman 说：“持久耐看的极致灰与生动活泼的亮丽黄，联手表达出坚韧的正向态度，为我们带来韧性与希望，我们需要感受到鼓舞与振奋，这是人类心灵的基本要素。”在经历疫情后，我们都需要觉得每件事情会朝向更好的方向发展，心灵有慰藉和依靠，才是最重要的生活要素，这大概就是潘通选出这两个颜色作为年度代表色的初衷所在。 色彩像是最简洁的语言，潘通通过两个颜色，就把很多人过去一年里的内心想法表达了出来。>>>END<<<*部分素材来源于网络，如有侵权请联系删除*>>>极致灰和亮丽黄特别符合2021年在疫情之下人的心境，黄色和灰色搭配，就像你在一个长长的隧道中行驶，然后看见了隧道尽头的曙光。

战争已经结束，但它的伤害还在继续延续......孤独、紧张，杀戮和死亡的画面还存在他们的脑海里挥之不去。美国的艺术疗愈师们开始用绘画帮助创伤人员释放心中梦魇。绘画慢慢成为他们自省和自我疗愈的工具，当他们再次被创伤记忆所侵扰时，他们会选择继续绘画。作为绘画心理分析师的你，不妨为身边的人创设一个良好的绘画环境，让他们跟随画笔在纸上尽情宣泄自己的负面情绪。作者|苏丽婷美国经历阿富汗战争归来的军人们得了创伤后应激障碍，失语症困扰着他们，他们拒绝谈论所经历的一切。战争已经结束，但它的伤害还在继续延续......孤独、紧张，杀戮和死亡的画面还存在他们的脑海里挥之不去。在白天，他们尽量表现的像正常人一样去生活，在夜里，孤独、恐惧像梦魇一样裹挟着他们。他们找不到排解的渠道，也找不到表达自己的方式，令其痛苦不已。“过去的几千年里，哲学家们曾告诉我们，创造的力量总是和毁灭再生的力量紧紧相连。而科学家告诉我们，造成大脑损伤的部位也正是大脑修复的部位。而艺术疗愈正在向我们展示，如何将它们连接起来。”一起来看看TED演讲者怎样帮助军人忘记杀戮与死亡的画面https://v.qq.com/x/page/l0534jyz0fu.html正如上面视频中呈现的，美国的艺术疗愈师们开始用绘画帮助创伤人员释放心中梦魇。艺术治疗师们发现艺术治疗绕过了脑部的失语症，用无害的方式直接接触到了被封锁的大脑创伤，他们创作的每一件作品都在阐述一个故事，他们用自己的方式描绘出无形的创伤,释放内心压抑已久的伤痛和恐惧。艺术治疗师们还发现各种形式的艺术都对伤者有帮助，绘画、文字、视觉和表演艺术都可以成为治疗过程中很有价值的工具。参与者通过艺术媒介分享他们的恐惧、弱点以及在此过程中所取得的胜利，这是一种建立联系、增进理解和治愈的过程。针对军人们的创伤后应激障碍，似乎收效最好的还是绘画，其中影响最大的是彩绘面具（在白色的面具模板上进行任意彩绘）。在绘制面具时，军人们能够摆脱画面的困扰，只把它当做一个面具，而不是他们的内心世界，降低了心理防御，帮助他们释放了内心积压的情绪。其中有不少军人将他们大脑中所恐惧的战争画面画在了面具上，当他们看着自己绘制的面具时，那些无形的创伤跃然于面具之上，过往的伤痛经历，突然变得可以谈论了。绘画慢慢成为他们自省和自我疗愈的工具，当他们再次被创伤记忆所侵扰时，他们会选择继续绘画。是的，如果痛苦的记忆无法磨灭，那就直视它们，画出来吧。此刻，新冠病毒仍在全球肆虐，国内疫情也面临着二次复发。过去一年，在新冠肺炎爆发之后，每个人都体验到了或多或少的负面情绪，虽然现在已经全面复工复产，但疫情的影响并未结束，仍然有许多人被悲痛、内疚、自责、恐惧、茫然、无助等情绪所困扰，如果无法获得及时的心理疏导，这种状态还将持续很长的一段时间。作为绘画心理分析师的你，不妨为身边的人创设一个良好的绘画环境，让他们跟随画笔在纸上尽情宣泄自己的负面情绪，透过他们的“画中话”，找到心中的梦魇，并将其释放。这是指个体经历、目睹或遭遇到一个或多个涉及自身或他人的实际死亡，或受到死亡的威胁，或严重的受伤，或躯体完整性受到威胁后，所导致的个体延迟出现和持续存在的精神障碍。PTSD的发病率报道不一，女性比男性更易发展为PTSD。PTSD的发生与很多因素相关联，这些因素主要分为家庭、社会心理因素（如性别、年龄、种族、婚姻状况、经济状况、社会地位、工作状况、受教育水平、应激性生活事件、个性特征、防御方式、童年期创伤、家庭暴力、战争、社会支持等）和生物学因素（如遗传因素、神经内分泌因素、神经生化因素等）。其中重大创伤性事件是PTSD发病的基本条件，具有极大的不可预期性。创伤性脑损伤(traumatic brain injury,TBI)这是一种平时和战时均十分常见的损伤。据估计，全球每年约有1千万TBI患者。在美国平民中，每年约有170万TBI患者到医院急诊室就医。战时，由于枪弹、炸弹等爆炸性武器的应用，使得参战人员常发生脑损伤。开放性损伤易于辨认，闭合性损伤(特别是轻伤)则一时难以确定。离开战场一段时间，一些症状逐渐显露出来，给个人工作和生活造成不同程度的影响。                                                                                          >>>END<<<*部分素材来源于网络，如有侵权请联系删除

2021年是农历辛丑年，今年出生的宝宝都属牛，我们这次要欣赏的画也和牛有关，这幅画不仅创作者很牛，画的名气牛，画的经历牛，画的技法牛，就连画的内容也很牛。之所以说画的创作者牛是因为他不但出身名门，而且勤奋好学，不仅文武双全，官至宰相，而且刚正不阿，心系百姓，就连皇帝也不得不尊敬这位乱世中的能臣。说画的名气牛，是因为此画是中国十大传世名画之一，有人说他是我国现存最古老的纸本画，可谓是中国美术史上的丰碑之作，为历代不二至宝。画作大约创作于公元782年，一经问世，便成为历代帝王的收藏热点，也因此历经了千年磨难，却奇迹般地流传有序保存至今，它曾一度流落海外，上世纪中叶在爱国人士的帮助下才得以回归祖国，它的回归甚至惊动了周总理，国家对其修复工作也十分重视，目前该画保存于北京故宫博物院，堪称“镇国之宝”，所以我们说它的经历也很牛。画面生动形象，神形兼备，既能集为一体，每个单元又能单独成画，而且各个角度的处理准确而自然得当，将透视运用得出神入化，这幅画看似简单却极难临摹，并非等闲之人可以达到的境界。尽管以上所述都很牛，但画的内容更“牛”，其中的奥妙您看画便知……这幅《五牛图》创作于麻料纸张之上，纵约20.8cm，长约139.8cm，为唐朝宰相韩滉（韩滉，今陕西西安人，唐朝中期政治家、画家，太子少师韩休之子）亲笔所画，画卷重点描绘了五头形神各异的牛，画者通过对五头牛的描绘，将牛身上那种强健有力、行动迟缓、沉稳倔强等特点琳漓尽致地表现了出来，韩滉以简洁的线条勾勒出牛的骨骼轮廓，再用他独特的调色方式为其上色，技法老练流畅，笔力精湛丰厚，整幅画虽然只是画一种动物，却一点都不单板单一，反而具有极强的艺术表现力。这幅画看似简单，但有画家尝试临摹时却发现难度非常大，首先是对牛轮廓的描绘，很难达形神兼似；其次是墨色，调配原图画色其实并不容易，稍不留意就显得艳俗。整幅画除了最右侧的小树外并无其他物品衬托，即便如此画面却十分生动有趣——五头牛一字排开，状貌姿态各异，或行或立，或俯首或昂头，或活泼或沉静，或喧闹或胆怯，似乎每头牛都有自己的脾气和心情；画面中间的牛正面向外，仿佛可以和观者对话，不仅如此，《五牛图》既能合为一体，画中每头牛还能独立成章，从如此独特的构思和视角不难看出，画者不仅有深厚的绘画功底，还有高超的构图及造型能力。让我们按照古人自右向左的赏画习惯逐一看看这五头牛，右边的第一头牛，在路边咬了口杂草，一边咀嚼得津津有味，一边在树上蹭痒痒，还不忘低侧首得意地瞧着观众，露出一副怡然自得的神态，这种悠闲自在的感觉像极了正在休闲玩耍的小伙伴。第二头牛则昂头耷耳、仰天鸣叫，向前行进，这是一头奋进的牛，有一种不达目的不罢休的倔劲儿，让人不禁想起了努力奋斗的加班族。第三头牛端端正正地站在画卷的中央，定立凝视，头微微向左倾斜，向前平视，似乎想说什么却欲言又止，给人一种智者的感觉，盯着这头牛仿佛找到了心中那个“智慧老人”。第四头牛正举步踟蹰，回顾舐舌，缓步跂行，似乎走向田头，又仿佛耕地归来，令人回味无穷，一幅旁若无人的样子让人忍不住猜想它正在看什么？最左边的第五头牛，穿上鼻环，带着缨络，缓缓地向画外走去。这是整幅画中唯一一头佩戴鼻环和璎珞的牛，牛嘴微张，眼睛向后看，神色异常严肃庄重，总体给人一种谨慎隐忍的感觉。了解绘画心理的老师们都知道，绘画的一大功能就是寄情，在许多时候绘画作品都是寄托情感的媒介。不少画家通过绘画把对时代、时事的看法运用构图、暗喻等描绘手法巧妙地表达出来，让观者感受到一种无言的认同，所以看画不仅要看画的技法、内容更要体察画面背后画者深层的语言和态度。例如，一些画家常通过山水、松柏，表达自己的家国情怀和志向抱负；再如八大山人通过小鱼、小雀寄情自己亡国的悲愤态度。可见，画者笔下的动物，有时并非真正意义上的“动物”，而是画者赋予了意义的角色。从这一点理解韩滉的《五牛图》就有意思了，有评论家认为，此图从右向左五头牛是逐渐从悠闲玩耍、自由自在的状态变为套上嚼头进而眼神幽怨、心生忧郁的；另有人认为这五头牛的变化就像人生不断地磕磕碰碰，最终接受约束，与社会妥协的过程。还有学者认为最后那只牛不单单是忧郁、不快乐，更多的是威严的一瞥，我认为这一点和韩滉的性格特点更为符合。因为他本人很认同做官这条路，为官30余年，能文能武，绝对是儒家代表，韩滉勤奋爱民，刚正不阿，所以他笔下的牛不会在最后戴上嚼口后出现怨恨的神情，所以《五牛图》更像是韩滉通过画面抒发自己为官多年的复杂心情。五牛图中的五头牛形态各异，却又以画卷的形式规范在同一个轨道上，从右向左仿佛是一种本性的升华：第一头牛（右一）是一头快乐的“本我”牛，在纯粹的动物野性快乐中，带着自然原始的憨厚本性；第二头牛在“本我”与现实的斗争中仰天长鸣，不甘任人主宰；第三头牛定立凝视，如何平衡？它已有了自己的想法；第四头牛虽心意已定，却依然在斟酌利弊；第五头牛完成了思想变化的终极，虽被套上嚼头但却成为了最威武、最雄壮的一头牛。韩滉选择画牛定有其原因，究其原因坊间说法不一，据说《五牛图》为韩滉在出游时目睹耕牛图景有感而作，他看到田间几头耕牛低头食草，牧童逍遥自得的骑在牛背上吹笛，远处又有一头牛翘首而奔，田野上耕牛有的回头舐舌，有的俯首寻草，有的纵趾鸣叫。韩滉遂命随从取出纸笔，全神贯注地速写出一幅幅耕牛图景，后经一个多月的修补，取名为《五牛图》。 任何古代作品在创作当时都是当代的，具有当时的普世价值观，所以理解一幅画也要还原时代背景。我国自古就是农业大国，农耕是国本，农兴则国兴，熟悉中国文化的人也许了解，牛属于六畜之一（六畜：马、牛、羊、鸡、狗、猪），牛是古时农业生产中不可或缺的重要劳动力，所以韩滉作为一朝宰相重视牛也无可厚非，这点也恰能看出韩滉是位体察百姓疾苦、勤勉务实的好官。欣赏绘画作品时，了解其技法、构图的精妙固然十分重要，但只有理解画中寄托的情感才能真正读懂画家的本意。画家选择以牛为主题，不仅因为牛在古时是重要的农业生产力，还因为牛的身上蕴含了一些独特的气质——勤勉、敬业、朴实、执着……我想韩滉处事也有相似之处，因为一个人无论其家世如何，想要官至右丞，还得到当朝天子的尊重，身上没有一股“牛劲儿”可不行啊。对今天这幅画的欣赏，就暂告一段落，牛年说牛，是希望大家牛年如牛，在即将迎来农历辛丑牛年的时刻，与大家共赏《五牛图》，衷心祝愿每一位中国人在新的一年里牛运亨通！财源滚滚！牛气冲天！参考文献[1]赵农.韩滉画牛[J].云南艺术学院学报,2017(1).[2]彭吉象.艺术学概论(第三版）[M].北京:北京大学出版社,2006.[3]蒋勋.美的沉思[M].湖南美术出版社,2014.（素材来源网络，如有侵权请联系删除）

在绘画心理分析的研究、发展历史上，包含树木或直接以树木为主题的测试并不少见，例如经典的HTP、树木画、果树画……树木还经常出现在人们的画作中，例如乔尔乔内的《牧羊人的朝拜》、列维坦《金色的秋天》，再如张择端的《清明上河图》等等。可以说许多世界名画中都有对树木的描绘，日常生活中看到有人画树也并不是新鲜事儿。之所以不同时代、不同地域的人们会不约而同地选择画树木，首先是因为人们对树木并不陌生；其次树木一定具有某种特殊的功能，才引得人们对它青睐有加，这种“神秘功能”究竟是什么呢？大部分人不仅有表达自己的愿望，还希望树立一个好的形象，所以在咨询中如果初次见面就让来访者画一幅自画像，可能很多人会觉得无从下手，从哪个角度描绘自己呢？但如果让来访者画一幅树木画，就会更容易一些。Buck在1984年曾说过：树木画其实是一幅自画像，相对于人物画，树木画更加容易联想，并且自我防卫很低，是一种很好的投射法。哈默也曾表示，树木画中较少有暴露自我的担心，而更容易投射出封存在更深层的感情。其实树木不仅能有效降低人的防御、便于联想的优势，它还有特殊的表达功能，这一点在我国魏晋南北朝时期的绘画作品中就有体现。无论是陶画、壁画、帛画、卷轴画、漆画还是砖画，都有对树木的描画，松树、柳树、梅花、竹子等等更是常见的创作题材。今天咱们重点欣赏《竹林七贤与荣启期》（下称《竹林七贤》）和顾恺之的《洛神赋》，让我们一起看看这两幅画中的树都有什么特点。《竹林七贤与荣启期》是1960年在南京西善桥南朝大墓出土的青砖模印砖画，描绘的是三国魏正年间的嵇康、阮籍、山涛、向秀、刘伶、王戎、阮咸七位贤人雅士，他们因常在山阳县(今河南辉县)竹林之下喝酒纵歌，故称“竹林七贤”。有人也许会好奇，这幅画为何要加上容启期呢？其实这和画的用途有关，这幅画是凿在墓壁上的，这就要求两边一样长，当时设计者为了让七贤对称，就在七贤之前加了另一位名士——荣启期。荣启期与竹林七贤有几个共同的特点，首先他们大都出身高贵，才能出众，思想超前，崇尚玄学；其次，他们都是当时的雅士，向往庄子逍遥游的自由之境，追求人生的真谛，展现出一种不与世俗社会相争的和谐，这种无为的本然状态才是在当时的社会中抛开一切流露真我，超越自我，体味人生的一种真性情。这也就不难理解为何墓主人会用七贤的壁画来衬托自己的品味了。设计者更是巧妙地运用了松、柳、银杏等树木做间隔，让每个人物都处于相对独立的空间，又隔而不断，气脉相连。壁画中人物和景物都采用富有节奏感和装饰性的线条来表现，用简练的线条表现出人物的内在精神。荣启期位于第一排的左上角，盘腿而坐，望着阮咸等人。阮咸则在银杏树下，专心地弹奏着阮。刘伶，一副酒徒的模样，注视着手里的酒杯，用手蘸取细细品味，神情专注。向秀则慵懒地靠在银杏树上，闭上眼睛深思。嵇康在银杏树下，膝上置一架古琴，神态孤傲，目光注视远方。阮籍盘膝坐在槐树下，面向松树，高卷袖子，神态潇洒，其右手放在唇边，仰头鼓腮，作长啸状。山涛坐在槐树与柳树之间，头戴布巾，左手端酒，右手拉着左腕的袖子，似在敬酒。王戎在柳树与银杏中间，跷着腿，斜身靠一钱箱，一手摆弄着如意。画中的树木也有独特的含义：银杏树，银杏又名公孙树，因其雌雄异株，常常生长成一个体系，如同一个家族一样，且适应环境的能力很强，所以古人认为银杏有多子多福及长寿的象征。槐树通常有三种寓意：1）吉祥，因为槐树有非常旺盛的生命力；2）崇拜及保佑平安之意，槐树自古以来就被视为一种高贵的神树。3）一种怀念，思乡之情。“柳”与“留”读音相似，所以柳树常被古人用于寄托自己的惜别情怀。因柳树气质优雅，也常用于表示对女子的赞美。此外柳树的外观好似是一位哭泣的女子，因而也有悲伤的含义。整幅画分为两部分，对应刻在墓壁两边，砖画设计者将竹林七贤饮酒唱歌之地设计在树下，一方面可以让他们在图像上以并排的形式展现出神态相对的图像架构，让人从视觉上产生代入感，让整幅画浑然为一体，但每位贤人又有独立的空间保留个性；另外通过银杏、槐树、柳树衬托出八位贤人不同的神态和行为，进而体现其不同的个性特质，有学者曾说这幅砖画中的树与人相对，人与人相对，十分符合图像学理论中“肖像刻画体现艺术风格”的特质。而树又暗含“通天”、“生命之树”的意义，那时的墓葬习俗延袭两汉遗风，皆希望死后升仙，能过上生前一样的享乐的生活，这种丧葬制度也就决定了墓中砖画图像的象征意义。设计者不仅巧妙地运用树木进行构图，还将贤人雅士追求的境界通过树木自身的寓意传达出来，可谓人境合一，雅俗共赏，这是种很精妙的艺术表现手法，当时“竹林七贤”的这种设计甚至成为流行的绘画题材，出现在许多墓室的壁画中，用以彰显墓主人的身份和地位。有人说“竹林七贤”是历史乃至当今绝对的“另类”。“汉末魏晋南北朝是中国政治上最混乱，社会上最苦痛的年代，然而却是精神文明史上极自由极解放，最富于智慧，最浓于热情的一个时代。”曹操用“白骨露于野，千里无鸡鸣”形容过这个悲惨的世界，无法找到精神上的归宿，只有把理想寄托在不朽的文心价值上，于是出现了抒情诗的流行和书画创作的繁荣，曹植的《洛神赋》也诞生于这一时期，东晋的顾恺之据此创作了著名的《洛神赋》（图）。与砖画中对树的崇拜不同，《洛神赋》中的树除了更有“情节”外，还是审美和情感的表达，其中柳树最为独特。在描绘洛神驾车而去时，画中的柳树失去了摇曳之情，只有二三株柳树孤立于山岗之上，且枝叶疏松，一片凄凉、孤寂之景跃然纸上。画面的最后，曹植望穿洛水，思念洛神而夜不能寐如果大家自己观察，还会发现其实这两株柳树尽管了无生机，但却是相对的，似乎有种隔岸相望的感觉。大师对细节的处理可谓精妙，但这或许也是他对这段凄美爱情的无意识表达，无论怎样，都让千年后的我们在品读这幅画时仍有不小的触动。顾恺之的《洛神赋》创作于东晋时期，砖画产生于稍晚的晋宋时期，但祭祀崇拜的文化却在原始时期就存在了，而艺术审美文化则是在汉魏晋时期才发展与繁荣。所以说在文化发展的历史长河中，“树”先有祭祀的崇拜功能，然后再扩展为审美的情感表达功能，这两种功能复合发展，直到现在仍在共存。从这两幅画中我们不难看到，树木在我国古代绘画作品中有不可或缺的功能，比如崇拜的功能、文化及情感表达的功能等。“就视觉艺术的意识审美形态而言，来源于历史经验价值的积累与视觉感观文化的传承，中西方对此，基于哲学思维理论层面的认识并无本质差别，只是二者的侧重点有所偏差。”所以类似的功能在西方绘画中也有体现，就比如梵·高那幅著名的《星月夜》，其中形如火焰的柏树就给人留下了深刻的印象。柏树的线条流畅且别具一格，正如梵·高自己所说“那些柏树总是占据着我的思绪——从来没有人把它们画得像我看到它们的样子，这使我惊讶。柏树的线条和比例正如埃及金字塔及尖碑那么美丽——在晴朗的风景中的黑色飞溅。”有些复杂的情感似乎很难用语言表达详尽，可是画出来，就懂了，这也许就是绘画独特的魅力吧。>>>无论是《竹林七贤》中的“通天神树”、顾恺之赋予丰富情感的柳树、梵·高笔下火焰般的柏树，还是其他画作中造型各异、变化丰富的树木，都经过了创作者的再加工，是他们真实情感的表达。即便是同一颗树，也会因画者的不同而不同，屏幕前的你是否已做好准备？拿起笔画一棵属于自己的树吧。如果想进一步了解这棵树隐含的秘密，给大家推荐一本书——《绘画分析与心理治疗手册》（第3版）。

翩若惊鸿，婉若游龙看过《甄嬛传》的人也许对这句诗并不陌生，它的大致意思是翩然若惊飞的鸿雁，蜿蜒如游动的蛟龙，是描写女神的体态轻盈宛转的诗句。然而这句诗的出处并非《甄嬛传》，而是出自《洛神赋》，此赋虚构了作者本人与洛神的邂逅相遇和彼此间的思慕爱恋，洛神形象美丽绝伦，但由于人神道殊而不能长相厮守，人神之恋也飘渺迷离，诗中作者抒发了无限的悲伤怅惘之情。《洛神赋》的作者也一位我们熟知的历史人物，他就是自小聪慧过人，十岁出头就能诵读《诗经》、《论语》的曹植。 煮豆燃豆萁，豆在釜中泣。本是同根生，相煎何太急？这首耳熟能详的《七步诗》就是曹植创作的，其创作背景相信大家并不陌生，其实《洛神赋》的创作背景也与此有关。《洛神赋》创作于黄初三年，此时曹丕已登上王位三年，虽然《七步诗》让曹植免于一死，但曹丕继位后处处提防、排挤曹植。生活发生了翻天覆地变化，换做任何人心中难免感慨万千，但在现实中，根本不能表达自己的不满，不过好在曹植十分有才华，所以他选择用一种艺术手法来表达自己的情感，于是创作了《洛神赋》。那年曹植31岁，这首赋就是他刚被封为鄄城王（邑二千五百户）之后回鄄城的途中写的。这是一个很凄美的爱情故事，后来画家顾恺之还据此创作了著名的《洛神赋图》，就是今天我们要欣赏的画作。这幅画全卷分为三个部分，曲折细致而又层次分明地描绘出了曹植与洛神真挚纯洁的爱情故事。人物安排疏密得宜，在不同的时空中自然地交替、重叠、交换，而在山川景物描绘上，无不展现一种空间美。【1】按照古代画卷从右往左的观看顺序，我们逐一看看《洛神赋图》中展现的场景：第一段是故事的开始，以曹植与洛神相遇的过程为主要线索。被封王后曹植带领随从返回鄄城，黄昏时分到达洛水，正要停驻休息的曹植看到风姿绰约、衣带飘逸的洛神从平静的水面上凌波而来，顿时被这番景象迷住了，只见他的身体微微向前倾，不由自主地伸出双手挡住随从，好像生怕有人惊动了洛神似的，其他随从则目光呆滞的望着神女。这一细节的处理，惟妙惟肖地表达了曹植见到洛神的惊喜，同时也从侧面烘托出洛神真的美丽。面对心仪的女神，曹植解下玉佩相赠，以此表达对洛神的爱慕，二人情意缠绵，然而人神道殊，洛神指潜渊为期，曹植心情矛盾却只能宁神敛容，以礼待之。一会儿，洛神与女娲、风神、河神、水神等在空中嬉戏，她若隐若现，舒袖歌舞，衣袂飘飘，轻盈优美，婀娜多姿的女神让众生为之倾倒，可是这美奂美仑莺歌燕舞之后却是与曹植的分离，顾恺之将二人心中的无奈和矛盾通过对比、反差的方式呈现在世人面前。第二段是整个故事的高潮，这部分描绘了人神相隔，不得不含恨别离时的情景。顾恺之用神兽与云车烘托出洛神离去时热闹恢弘的阵容，场面宏大激扬，热闹非凡。六龙驾驶着云车，洛神乘云车向远方驶去，鲸航从水底涌起围绕着车的左右。神兽描绘得细致入微，生动奔放。云车、云雾在天空中都呈现出飞驰的样子，更加衬托出离别场面的隆重。与之洛神离去相呼应的是曹植在岸边的场景，他目送洛神渐渐远去，却只能用眼神倾诉着无尽的悲伤与无奈。洛神则不停地回头望着岸上的曹植，流露出无尽不舍。这不期而遇的爱情注定以悲剧告终，随着时间的流逝二人渐行渐远，最终无法长相厮守，他们目光的凝视让悲伤的气氛更加浓烈。第三段主要描绘了曹植启程回封地时流连忘返的场景。洛神离去后，曹植依然对她的倩影念念不忘，这深切的追忆与思念让人心神难安。于是曹植乘舟溯流而上，他希望能追上云车，想再次见到洛神！但无奈人神殊途，曹植根本无法凭凡人的力量见到女神。思而不得的曹植心中感慨万千，思念与悲伤之情涌上心头，让他彻夜难眠，只得在洛水边默默地等到天明。短暂的相遇让曹植流连忘返，失去的是永恒的美好，直到随从驱车上路，曹植还在不断回头张望，最后怀着满腔的不舍和无奈，与随从踏上了归途。作者通过描写自己与一位美丽多情的女神相遇相知却不能相守的故事，抒发了自己对美好理想追求而不可得的情感，曹植之所以创作这个凄美的爱情故事，这多少都与他现实的遭遇有关。原来，少年曹植不仅才气逼人，而且性情坦率自然，不爱慕虚荣，不追逐名利，这些都很受曹操喜爱，尽管曹植不是长子，曹操却把很多转移到了曹植身上，甚至几次都想立曹植当太子，当时也有大臣力挺曹植，但也许是命中注定，曹植最终与王位无缘。因为公子哥曹植未经历生活的磨难，不懂得世间的险恶，而且他才子、文人气太浓，时而还有些小任性，并且不懂得约束和修饰自己，甚至几次因酒误事，最终让曹操对他大失所望，立曹丕为太子。虽然曹丕、曹植为亲兄弟，但曹植毕竟是王位竞争的对手，因而曹丕登上王位后，对曹植处处打压限制，甚至动了杀念，就连曹丕的儿子继位后，还是对曹植严加防范，这让曹植无时无刻不处于苦闷与惊恐之中。也正因如此，我们能从曹植的一些作品中感受到他的无奈、感慨与追忆。写《洛神赋》时曹植31岁，他开始体会到自己对理想的追求破灭了，后来曹植还多次上书曹叡（魏明帝，曹丕之子），想要在政治上施展才华，拳拳之心足以使世人动容，但曹叡却仅做口头赞誉，依然对他严加防范，不以任用。38岁那年曹植被封到东阿做王，此时他彻底明白，自己终生将与仕途无缘，只得潜心著作，研究儒典，3年后的一个冬天，曹植在忧郁中病逝。后人称之为“陈王”或“陈思王”。艺术源于生活却高于生活，我们欣赏一幅画不仅是看画作本身，还要了解画作背后的故事，就像这副《洛神赋图》一样，顾恺之将曹植的无限追忆之情生动地呈现在画卷之上，使观者切实感受到曹植的无奈与惆怅，这是两位艺术高手的超时空对话，在现存的中国古代绘画中，《洛神赋图》被认为是第一幅改编自文学作品的画作。【2】不仅如此，《洛神赋图》在布局上采用连续多个画面表现一个故事的手法，类似于现在的连环画，构图上采用卷轴的形式，便于阅览，情节完整而统一，开创了中国传统绘画长卷的先河，被誉为中国绘画始祖。 （注：原《洛神赋图》卷为设色绢本，已失传。现在大家看到的主要是宋代的四件摹本，分别收藏在北京故宫博物院（二件）、辽宁省博物馆和美国弗利尔美术馆。）参考文献【1】. 历史的教训 你不可不知的历史典故[M],红旗出版社,2015.07,第319页【2】. 唐勉嘉.从文本到绘画:《洛神赋图卷》、《女史箴图卷》、《列女仁智图卷》研究[D].复旦大学：中国古代文学.2011

找个安静的地方，一段属于自己的的时光，一张画纸和一支画笔，就能完成一场和自己的对话。给自己一幅画的时间，看看自己，体会与自我的联结。你有多久没认真看过自己？你眼中的自己，TA是什么样子的？“认识你自己”是希腊德尔斐神庙门楣上的铭言，苏格拉底还将其作为自己哲学原则的宣言。日本设计大师山本耀司曾说：“自己”这个东西往往是看不见的，你要撞上一些别的什么东西，反弹回来，才会了解“自己”。是的，通常情况下，我们想要“看见自我”必须跟很强的东西、可怕的东西、水准很高的东西相碰撞，然后才知道“自己”是什么。学习绘画心理分析技术后，我们只要找个安静的地方，一段属于自己的时光，一张画纸和一支画笔，就能完成一场和自己的对话。在自我这件事上，一起来看看TA们作出了怎样的回答：18世纪末的法国，女学生被排除在皇家美术学院之外。她们被禁止进入人体课，一门最有含金量的课程，训练学生成为历史画家的技能。在这样的职场环境下，勒布伦却凭借一幅《和平带来丰饶》的历史画，进入学院，还以《戴草帽的自画像》，挑战着女画家不如男画家的传统观念。她戴着草帽，穿着闲适，拿着调色板和画笔，一副出门写生的模样。她在公然告诉所有人，我是一名画家，一名女画家。这在艺术史上是少见的。在此之前，只有男性画家会描绘自己创作时的场景，夸耀自己的才能，少有女画家同样用自画像来展示自己的绘画技巧。她自信地直视着我们，或者说自信地直视着自己，肯定着自己画家的身份，并将这样的一面永久地留在了画布上。勒布伦一生有将近40张自画像。她专注地看着自己，也描绘着自己，从来不管世人的眼光与评价，既是家庭中的母亲和妻子的角色，也可以在绘画事业上获得自己的成就。弗里达会成为一个画家，有很大程度是因为一场意外。         弗里达会成为一个画家，有很大程度是因为一场意外。18岁那年的车祸，让弗里达全身裹着石膏无法动弹。母亲在床上安装了画架和镜子，方便她即使躺在床上也能用画笔作画。就是在这样的环境和心境下，她画下了自己的第一张自画像。红色天鹅绒替代了白色的石膏纱布，谁又能想象的到这具身体才遭受过巨大的伤害？标志性的眉毛连在一起，嘴唇紧紧抿着，在她眼里，你看不到任何的悲伤和痛苦，却能看到一个平静的，甚至带着点坚定的弗里达。绘画成了她宣泄痛苦的方式，自画像成了她自我疗伤的地方。这时候，弗里达已经不像其他大多数艺术家那样，为了生存用画笔“献媚”，满足客户的各种要求。她描绘着床前镜子里反射出的自己，长时间和此刻遍体鳞伤的自己对视。更多的，弗里达是在借画笔完成和自我的和解。她说，“我画我自己是因为‘我’是我自己最了解的主题。我只是在尽我所能地做到诚实而坦率的表现我自己。”据说在1885年到1889年之间梵高创造出了约40幅自画像，为我们展现了他的愤怒、疯狂、忧郁、以及偶尔的快乐。在他的画中，总是一片色彩和笔触的狂欢，这种画面所造成的气氛效果表现出一种罕见的旺盛的生命力。“人们说——我很愿意相信一一要了解自己很难，但要画出自己也不容易。”梵高曾给弟弟提奥写信说。《自画像》是荷兰后印象派画家文森特·威廉梵高一生多数自画像作品中最著名的画作之一，是在圣雷米精神病院接受治疗期间所创作的，时间是1889年，这幅画作在电影《至爱梵高》中出现过，目前该画作收藏于奥赛博物馆中。梵高把本幅自画像看作自己神志正常的标志。他曾说＂我希望你能看出我面孔比过去平静得多了，尽管在我自己看来我的神色比以前茫然呆滞了些。”自画像仿佛是一面镜子，不但描绘了艺术家的外在形象，也揭示了他们的内在品格和思想。自画像是高度主观的图像，虽然艺术家只向观众传达他们想要展示的东西，但是通过自画像，我们可以领悟到画者当下的情绪状态，以及他们是如何看待自己的。给自己一幅画的时间，看看自己，体会与自我的联结。不管最后画面呈现出来的是那个“大大的我”、还是“小小的我”，都要学会坦然接受，愉悦接纳，找到自在的那个自己，与她友好相处，这个过程会有陌生、不舒服，也会有释然和理解，每一次都是靠近自我的新旅程，一起加入绘画心理探索更多未知的自己吧。   >>>END<<<*部分素材来源于网络，如有侵权请联系删除*

“明月几时有？把酒问青天”“海上生明月，天涯共此时”“独在异乡为异客，每逢佳节倍思亲”.......这些耳熟能详的诗句都与秋天有关，秋天，是童话般的季节。自古不少文人墨客为之有感而发，为我们留下了许多与秋有关的诗词书画，《月下把杯图》就是其中之一。这幅图描绘了中秋佳节远方好友来访的景象。就算不看画，仅仅想这幅画的选题就会感到十分惬意，在每逢佳节倍思亲的时刻，恰好有远方多年未见的好友来访，很难让人不心情舒畅啊！这幅画之所以有名还有一个重要的原因——画中的诗句并非画者所书，而是出自当朝皇后之笔，可见这幅画不简单啊。然而《月下把杯图》的“不简单”不仅如此，这幅画出自南宋著名画家马远之手，纵高25.7厘米，横长28厘米，仅有一开册页大小，仅比现在的A4纸稍微大一点。但就是这么秀气的一幅画，不仅能暗示当时的政局，还能体现当朝统治者的心境。这到底是怎么一回事呢？现在就请随我一起详细品读这幅画，看看马远是怎样在如此“秀气”的画作中讲述故事，描绘心境的吧。画中景象十分生动有趣，一轮明月高悬空中，把天地照得一片明亮，主人原本在院中摆好桌案准备和小童共度中秋。佳肴美酒均已备齐，然而月圆之夜思团圆，“隔千里兮共明月”，此情此景让人不禁睹物思索，联想到远方的亲友，此时是否也在同望一轮明月？正当主人思念友人时，恰逢多年未见的好友来访！这个场景真让人心情舒爽。只见主人欣快地举杯迎友，与友人亲密无间。虽然马远并未画出访客的面部神态，但主人的眼神和客人的体态让两人的互动显得非常愉快亲密，一看便知好友的来访为主人带来了不少欢乐。画中的人物和景物布局错落有致，栩栩如生，竹林幽雅静谧，人物神态各异，明月当空，良辰美酒。主人的心情显然影响到了其他人，四个小童，或捧果盘或侍立待呼，那个抱酒壶的小童还转身望着台阶上抱琴的文童，整个画面生动精逸，充满温馨与惬意。《月下把杯图》中的“相逢幸遇佳时节，月下花前且把杯”诗句出自南宋宁宗的皇后杨氏之手。画作对开的另一页还有楷书诗句“人能无着便无愁，万境相侵一笑休。岂但中秋堪宴赏，凉天佳月即中秋。”两首诗无不传达出一种淡定、惬意之感，皇后为何会为这幅画提写诗句呢？杨皇后的一生颇具传奇色彩，她并非贵族出身，父亲是木匠，母亲是乐师，本人原是儿童演员（当时叫“杂剧孩儿”），机缘巧合，深得宋高宗遗孀吴太皇太后的喜爱，还当上了太后的专职秘书（那时叫“翰墨”），从此踏进了贵妇淑女的交际圈……杨氏刻苦努力，从各方面提升自己，不仅博古通今，还会写诗，最终成为南宋皇后中唯一的一位女诗人。据说她善于模仿宋宁宗写字，开禧三年（公元1207年）十一月，杨皇后假拟圣旨诛杀了专权13年、还曾阻挠她“正位”的外戚权臣韩侂胄。画中两首楷书诗句正是杨皇后“正位”后题写的，当时她已手握大权，所以显得平淡爽朗。韩侂胄被诛杀，韩党自此瓦解。不久后，宁宗下诏公布了韩侂胄的罪状，并对原先受到迫害的人进行了平反，还实行了一系列改革。并于公元1208年改元嘉定，表明新政的开始。《月下把杯图》整体传达了生机、愉佚之感，暗示时局已定，人心大好。从这里也可以看出马远对于新政及杨皇后是持支持态度的。为何这小小的一幅画能传递出这么多信息，细心的您也许会发现，图上几乎所有人物都在和别人用眼神“交流”。我不禁联想到我们的绘画心理学，看画时，人物的眼神十分重要，这一点在互动图中特别明显。画出“生动”的眼神，往往是一种无意识的表达。>>>《月下把杯图》堪称以小见大的典范，更是马远打破古板木然的匠人画，凸显自然创新文人画的代表之作，看画中人物的眼神便觉得很有情趣，那么马远还想告诉人们什么呢？也许杨皇后早已心领神会了。马上就要到中秋节了，赏秋、赏月、赏画之时也衷心祝福大家节日快乐！月圆人圆！生活就像这幅《月下把杯图》一样——凡事正中下怀！（部分素材来源网络，如有侵权请联系删除）

我们的意识中会储存许多画面，印象最深刻的更可能是心中五味杂陈的那一刻，今天带大家走进的一幅画可谓稀世珍品，它的价值难以拿金钱来衡量，它的创作者更是位绝世天才，据说想瞻仰这幅画必须至少提前两个月预约，预约成功者却只被允许停留15分钟。什么！排了几个月的队只能看一小会儿？是的，您没有看错，就是15分钟，并且参观时不能衣着暴露，否则馆方可以因此终止参观，这样千呼万唤始出来的作品自然也有原因——这幅画是一幅宗教题材的画作，它就是达芬奇的《最后的晚餐》，创作于1494年-1498年，历经两次世界大战的洗礼，保存下来实属不易，据说这幅画比《蒙娜丽莎》还有名，也难怪会有如此苛刻的参观要求了。《最后的晚餐》是达芬奇亲自在米兰圣玛利亚大教堂一个餐厅的整面墙上一笔一划画上去的，因为当时的主教想让人们在吃饭的时候都想着上帝，于是不惜重金聘请达芬奇创作这幅高4.2米，长9.1米的作品（现藏米兰圣玛利亚德尔格契修道院）。接活儿时达芬奇大概四十四岁，他每天清早就开始工作，经常因为画画忘了吃饭，时而沉思，时而描绘几笔后用非常挑剔的眼光审视自己的作品，因此《最后的晚餐》创作了四年之久，交工的时候主教早已等得不耐烦了，然而他并不知道这幅饱含了达芬奇多少的心血。下边就请把手机横过来欣赏一下这幅作品吧，因为达芬奇想创作一幅细节和亮度都有别于传统壁画的作品，于是他选择了干壁画的创作方式（以前的壁画都是湿壁画，就是在没有干透的墙上创作，这样色彩更牢固。）还使用了油漆，但是不久之后这幅画就开始褪色，油漆也开始腐烂，我们现在看到的是历代艺术家修复之后的作品。《最后的晚餐》是达芬奇的匠心之作，畅销书《达芬奇密码》对这幅画的解读曾一度引起基督世界的震惊，更为这幅名画增添了许多未解之谜，虽然书中也有些说法被艺术史家们打了折扣，但这幅画确实给了世人不少冲击。在诸多谜团和惊叹中最令人们好奇的，还是究竟画中哪一个是犹大这个问题吧。对于这个问题，其实达芬奇给出了明确的答案，不仅如此，大师还通过画笔把耶稣宣布有门徒出卖了他那一刻所有人的状态淋漓尽致的展现了出来，下边我们就逐一看看这幅画里的人物了解他们当时的情绪心理状态吧。《最后的晚餐》取自于《新约圣经》，耶稣最后一次到耶路撒冷过逾越节时，犹太教祭司长谋划在夜间逮捕他，但苦于无人带路，这时，犹大向犹太教祭司长告密说：“我把他交给你们，你们愿意给我多少钱？”犹太教祭司长就给了犹大三十个银币。于是，犹大跟祭司长约好：他亲吻的那个人就是耶稣。逾越节那天，耶稣跟12个门徒坐在一起，共进最后一次晚餐，他对门徒说：“你们中有一个人要出卖我了。”这幅画就描绘了门徒听到主说完这句话时表露出的不同的反应。 首先从布局上看，达芬奇很有创意的把所有人安排在了桌子的同一侧，这样至少有两个好处，第一，便于人们欣赏画中每个人的神态；第二，让在教堂餐厅就餐的人们有一种身临其境的感觉，仿佛他们正在和耶稣和12个门徒一起用餐。大师还巧妙地利用人物位置的高低让整幅画看起来一点都不呆板。循着这个线索，我们可以把画中的人物分成五组，耶稣在最中间，两边各平均分布6位门徒。从这幅画中不难看出达芬奇使用了几何结构来安排耶稣，也就是把人物安排在一个等腰三角形内，而这个等腰三角形的定点就是人物的头部，这样画法让他和周围人形成鲜明的对比，当得知有人出卖耶稣时，门徒们或惊讶、或愤怒、或紧张、或心虚，但是只有耶稣非常淡定，他向金字塔一样安详地坐在所有人中间。我想，达芬奇是有意这样安排的，一个知道自己命不久矣的人还如此平静安详，可见他的非同一般。再看耶稣一手向上给人以坦然接受的感觉，一手向下似乎想用力抓住什么（正在看文章的朋友不妨也摆摆这个姿势，体验一下）——达芬奇这样安排其实是想暗示我们叛徒就在他的右手边。在耶稣右边的第一组的三个人中，面色犹豫的人是约翰，他神情焦虑，不知怎么办好，因此扭头听彼得讲话，彼得则勃然大怒地站起来，弯身前倾向着约翰，左手搭在他的肩头，传递出愤愤不平之感。在他们前边还有个人，正扭动着身体，惊恐地想远离耶稣，并慌忙地握紧右手中的东西，战栗而害怕地斜视着基督，仔细观察这个人的左手也向下，似乎也想抓什么，而他的手就快和耶稣的手碰在一起了，他就是犹大，右手握着的正是出卖耶稣得到的三十个银币。据说在创作这幅画时达芬奇极为慎重，常常站在画前沉思徘徊许久不能落笔。因此修道院的院长十分恼火，指责他是有意怠工，拖延时间。正愁找不到犹大头像模特儿的达芬奇发觉这个令人讨厌、粗暴无知的院长非常合适，便以他为模特儿塑造了犹大的形象。最右边一组三个人是巴多罗买、小雅各和安德烈，巴多罗买张开双手放在胸前，显得震惊又沉着，似乎是要大家不要惊慌，他自己则严肃地凝视着基督。小雅各身着红色的衣服，紧张地望着耶稣，无力地把手搭在巴多罗买肩上。安德烈站在最左端，他探身前倾，颇有冲上去之势，这样的动作再配合他魁梧的身材让人一看便知他的个性。耶稣左边，紧挨着他的是多马、大雅各和腓力，他们似乎急于向耶稣解释什么，以表明自己的清白。 最左边一组为马太、达太和西门，马太双手伸向基督，脸却转向左边的达太，好象在询问有经验的老人，刚才耶稣所讲的到底是指谁？达太摊开双手，表示自己的无奈与痛苦。西门则苦苦思索，却毫无办法。这幅画的构图不复杂却很精妙，基本上是在一直线上穿插变化的，但单纯中见丰富。画家把十三个人物有机地组合在一起，既有区别又有紧密联系，既突出了耶稣的主要形象，又层次分明地刻划出每一个人的外貌和性格特征。此外还可以从每个人的表情和动作上看出他们对死亡的看法，达芬奇没有试图解答死亡是什么，只是向世人呈现面对死亡时每个人的不同领悟，据说这幅画还有很多精妙甚至说是神奇也不为过的地方，比如把桌子上所有的面包按顺序放在五线谱上可以弹奏出一首很悲伤的音乐。《最后的晚餐》是基督教中常被画家选择的题材，但在众多画作中却数达芬奇创作的这幅画最有名，这和画家本人不无关系，达芬奇是文艺复兴时期的天才，他擅长的不只是绘画，在建筑学、解剖学、流体力学、化学、音乐等等方面他都有涉猎甚至达到了精通的水平。这幅画涉及了达芬奇了解的众多领域，比如绘画、建筑、音乐、解剖、光学等等，大师把耶稣安排在画面的中心，这个位置恰好又是视觉的中心，背景的透光，更清楚地烘托出耶稣的形象，餐桌、墙壁门窗和天花板的处理选择平行透视的方法，所有的线条最终都集中在耶稣的形象上，这一切很自然地把观众的视线首先吸引到基督身上。图中每个人对死亡的看法不同，所以表情各异，但是画家巧妙地用表情和肢体语言把所有的人情绪定格在关键的一瞬间，每个人看似独立却无一不和耶稣有联系。人物的神态、手势、眼神和行为，无一不画得精细入微，唯妙唯肖。这些人物典型性格的描绘与画题主旨密切配合，与构图的多样统一效果互为补充，使《最后的晚餐》无可争议地成为世界美术宝库中完美的典范杰作，甚至有学者说这幅画不仅标志着达芬奇艺术成就的最高峰，也标志着文艺复兴艺术创造的成熟与伟大。（部分素材来源于网络，如有侵权请联系删除）作者：徐华

今天要给大家介绍的是一幅不可多得的“动态图”，之所以这样说，原因之一是它十分昂贵，在1945年，这幅画的卖价就高达500两黄金，按照255元/克的金价计算，大概值637万5千元。还有一个原因就是这幅画其实就是张情报图。下边咱们就说说这张有“故事”的动态图。 据说这幅画的创作背景是这样的，南唐后主李煜想给一位韩姓大臣升职加薪，但有人说他整天纸醉金迷，不务正业，皇帝很想了解真实情况，但碍于面子不好亲临现场，于是任命画师顾某潜入他家中一探究竟，顾画师原名顾闳中，不仅画功了得，而且有超常的洞察力、观察力和记忆力（如果他生活在当代，绝对有当心理咨询师的潜质）。让我们一起欣赏一下这幅稀世巨作吧，据说因为这幅画独特的构图，它还是中国第一部“电影”。图1：全景 这幅《韩熙载夜宴图》的独特之处就在于顾闳中把他在韩熙载家见到的场景用一幅长卷串起来，呈现给李煜，一目了然。下面我们就从右向左逐一看看这五个场景，这些场景用屏风隔开，每个场景中韩熙载都会出现一次。图2：第一部分，琵琶演奏琵琶演奏描绘的是韩熙载与宾客们倾听琵琶独奏的场景。此段出现的人物较多，场景也比较复杂，据史料记载床榻上坐着的两个人分别是穿红袍的新科状元郎粲和戴着高帽的韩熙载，弹琵琶的女子是教坊副使李嘉明的妹妹，李嘉明就在她左边并扭头望着她，一边认真倾听一边关注她的弹奏手法。长案的两端坐着韩的朋友太常博士陈致雍和门生紫薇郎朱铣，另有宠妓弱兰和王屋山等。这些人虽然都在认真倾听，但每个人神情决然不同，对比最明显的就是状元郎粲和韩熙载，两人虽同坐一榻，但郎粲聚精会神，身体前倾，明显听得更入神，韩熙载虽然也在听，脸上却一幅若有所思的样子。 图3：第二部分，六幺独舞六幺独舞描绘的是宠妓王屋山为宾客跳舞的场景，王屋山背对观众，回眸屈膝，众人皆被她曼妙的舞姿吸引，有人拍手喝彩，有人为她伴奏，韩熙载也撸起双袖击鼓助兴，他右手举起鼓锤，使人感觉仿佛这鼓锤敲下去就能听见鼓的声音似的。这些细微的动作令画面绘影绘声，看到这里心中不由得佩服顾闳中深厚的洞察力和精湛的画功。但更生动的是韩熙载的好友德明和尚，他把身体背向舞者，谦卑的低着头，似乎觉得自己不应该出现在这种场合。再看状元郎粲，他斜坐在椅子上，这样就能在欣赏舞蹈的同时照顾到韩熙载，从以上细节可以推断出韩府表面恒舞酣歌，但坐上宾客皆为文人雅士，可见韩熙载并不是传闻中那样的纸醉金迷。 图4：第三部分，宴会小憩在这段宴会小憩中韩熙载背对画面坐在床榻上，这个场景很写实，因为那时的宴会往往准备有休息的地方，累了可以随时躺一下。主人边洗手边与侍女谈话，同坐床榻上的其他女子也在交谈，画面呈现出一幅悠闲休憩的情景。从此部分可以推断主人治家是比较宽厚仁和的，这一点正好和韩熙载细长、上扬的眉眼相应证——慈悲善良、思虑深远。整幅画中只有这部分韩熙载露面最少，或许这也是顾闳中有意安排的，毕竟主人公若有所思的面容出现在这轻松的场景中过于明显。  图5：第四部分，器乐演奏这个场面表现了一个小型音乐会中器乐合奏的场景。五个奏乐女子位于正中，并坐一排却各有动态，似乎正在用手中的乐器对话。她们的投入与其他人形成对比——左旁打板男子坐姿端正呆板；最左侧的男子把头扭到一边与人交谈，很显然没有认真听演奏；韩熙载盘腿坐在椅子上，正在和侍女说着什么，显然也没有沉浸在音乐中。有心的人可能会注意到主人公此时没有穿正装外套，也许这更能反映出韩熙载真实的一面。  图6：第五部分，应酬告别这段描绘了宴会结束，宾客们陆续离去，主人与他们告别的场景。韩熙载独自站在两组人物的中间，伸出左手呈摆手状，好像在说“不”。众人散去，主人礼貌告别，这也是整幅画的结尾部分。看完整幅画后，不得不佩服顾闳中精妙的构图思路和深厚的绘画功底，顾闳中擅长画人物画，他画里的人物胡须、头发都像从皮肤里长出来的一样，他曾任南唐画院待诏（就是有编制，可以吃皇粮，并专门听皇帝差遣的画家）。篇头讲了这幅画的创作背景——这是一幅情报图，我们可以想象，顾闳中不可能在韩熙载家支画架作画，所以这幅画其实是他在韩家实地考察后，悉数记录在场每一个人的神态动作，回家凭记忆所画的。《韩熙载夜宴图》在中国美术史上有着举足轻重的地位。无论是顾闳中、韩熙载还是李煜都不会想到这幅政治情报图在千百年以后有如此的影响力。这样细细想来，《韩熙载夜宴图》之所以价值不菲，不仅在于它有超高的艺术价值，更与它蕴藏的文化内涵及表达的丰富信息有关。这就是绘画的魅力所在，其实无论您是否学习过绘画，只要肯动笔，创作出来的绘画作品就有一定的意义，如果您不相信，也可以试着画一幅家庭动态图，里面应该有您也没意识到的信息。 （素材来源于网络，如有侵权请联系删除） 作者：徐华

Arts are come from life and higher than life.这是句大家都不陌生的话，因为艺术创作的源头和灵感多来源于生活，绘画作为艺术创作的一种形式，也是如此。毕加索曾说：艺术是一种使我们达到真实的假想。亲爱的朋友，您眼中的世界是什么样的呢？今天我们就将透过绘画作品，解读不同画家眼中的世界。说到法国，很多人都会想到“浪漫”一词，的确，法国在许多人心中就是浪漫的代言，同时我们也应注意到每个国家都拥有独特的文化底蕴，每个时代也有其特殊的历史背景。19世纪的欧洲社会，发生了巨大的变革，而法国不仅引领了这个时代欧洲的政治和思想运动，更是在文学艺术领域掀起了新兴思潮，所以这一时代法国的画作是十分有代表的。首先我们一起做个小测验，下边有6幅画作，这些作品分别来自五位画家：库贝尔（自然主义）、杜米埃（现实主义讽刺画大师）、雷诺瓦（早期印象派）、卡耶博特（印象派）、修拉（新印象派），只标明了创作年份和画作名称，亲爱的朋友，您可以猜到有哪两幅画出自同一位画家吗？（如果您是专业学美术的朋友或熟知美术史，这个环节可以跳过。）奥尔南的葬礼（1849-1950）三等车厢  （1862）煎饼磨坊的舞会（1876）雨天的巴黎街道  （1877）船上的午餐（1881）大碗岛上的星期日下午 （1884-1886）小提示：1、绘画作品中往往有画者性格的呈现，所以每个人的线条、色彩等各有特点；2、时代背景和生活经历等会影响画家的主要观点和画作传递的思想。   为了更准确的判断，我们需要简要了解一下当时法国的时代背景，1789年法国爆发大革命以后，历经复辟和反复辟斗争，1831年和1848年的资产阶级革命更是影响到了整个欧洲，除了新思潮，当时法国的文化艺术作品的影响也波及到了欧洲其他国家，时代在发展，人们看问题的角度不同了，绘画的表现形式和着力点也会随之变化。比如19世纪上半叶欧洲经历了新古典主义、浪漫主义、写实主义三个思潮；随着工业化的到来，早期印象主义在19世纪中叶诞生了。19世纪法国还出现了一种新兴的交通工具——火车，我们大都坐过火车，如果留意过，就不难发现透过车窗看风景和走路看风景的感受完全不同。对于当时法国年轻的画家们来说，他们体验到的生活与他们的父辈完全不同。速度带来的视觉冲击力和生产力提高后人们生活的变化实实在在地影响着年轻画家们的生活，火车改变了人们的空间概念。19世纪还出现了照相机，又挑战了人们的视觉记忆。这是印象派代表人物莫奈的《日出·印象》，创作于1872年，描绘了清晨雾中的勒阿弗尔港口，这幅画很有特点，日出只有一瞬间。短短的瞬间被感知和表达出来并不容易，传统的画法是先勾勒出轮廓再填色，莫奈如果按传统的技法肯定创作不出这幅画，他更擅长光与影的表达，薄雾笼罩的背景，若隐若现的小船充满了生活的气息，整幅画主色调为橙色和绿色，加之水面波动的光辉给人以温暖、生机的感觉，这一切传达出港口日出时的光与色的印象，莫奈自己也表示，这不算景象而是印象。日出刹那的感受就这样被光与色烘托出来了。印象派画家很少用黑色勾勒轮廓，甚至不用黑色，他们追逐光和感觉，《日出·印象》中这种朦胧美，是一种模糊的意识，这种感觉就好像第一次乘坐火车看外边的风景一样，大自然是那样和谐，转瞬而过，却可以有美好的印象。感兴趣的朋友还可以按照“整过容”的思路分析这幅画，我想一定会有意外的收获。工业的发展影响了画家的视觉感受，更影响了他们的生活，这幅《船上的午餐》创作于1881年左右，出自雷诺瓦，温暖和谐依然是主旋律，桌上摆满佳肴和美酒，生活富足，人们相谈甚欢，他们都在做同样的事情——社交，此时许多人已经从农耕中解放出来了，随着生产力的提高，劳动力被大大的解放，人们有了更多空闲的时间，社会也产生了资产阶级新贵，他们有更多的时间去休闲，去享受生活。可能看到这里你会觉得没什么，这是因为画中的场景和现代的生活模式已经比较接近，但如果和下一幅画做对比，我们或许能感受到工业发展对当时民众生活的冲击和影响了。《拾穗者》是米勒1857年创作的，三名农村妇女身着粗布衣，低头弯腰捡拾收割后麦田中遗漏的一粒粒麦穗，她们衣着保守，老实本分，捡拾这些麦穗甚至是为了养家糊口。虽然看不到拾穗者的脸，但是从他们的身体姿势也不难看出劳动者的辛劳，以及米勒对劳动的尊重。这些朴实的村民可能想不到，短短20年后原来劳作的磨坊变成了休闲场所，就像下边这幅《煎饼磨坊的舞会》（1876）描绘的场景一样。从《拾穗者》到《煎饼磨坊的舞会》，再到《船上的午餐》只经历了短短30年，30年间法国在变化，世界也在变化，画家们对此的看法各有不同，但不变的是人们对美好事物的向往和追求，这也是艺术家们创作的原动力之一。然而世间并非都是美好，在一些人享受生活的时候，依然有人在经历苦难，敏锐的艺术家们用绘画记录了这一切。 这幅画出自于法国画家杜米埃，他出身贫寒，从小受尽了上流社会的白眼，苦难的经历让他对穷苦人民饱含同情。这幅《三等车厢》创作于1862年，工业革命带来了发展，但并非人人都是受益者，那些高高在上的统治者总是少数。火车上疲惫的人们和拥挤的环境反映出平民生活的不易。我们知道1870年巴黎爆发了“巴黎公社运动”，米勒画中的农民、杜米埃画中的平民都是当时社会真实的写照，画家们在用自己的方式引起世人对于当时社会财富分配问题的思考。无论是莫奈、雷诺瓦还是米勒、杜米埃，他们的人生并不顺利，甚至可以说历经苦难，但他们却不约而同选择了绘画，在艰难的环境中，通过艺术创作实现自己的人生价值，从自己的角度解读这个社会，为世人留下宝贵的精神财富。今天介绍的最后一幅画是来自修拉的作品，修拉也属于印象派，但和早期的莫奈、雷诺瓦不同，他属于新印象派，据说这幅《大碗岛上的星期日下午》修拉整整花了两年的时间才完成（1884-1886）。为了画这幅画他每天早上都去海边写生，之后研究构图和色彩。画面由静谧、冷漠的色点组合，描绘了盛夏的一个星期日下午，大碗岛河畔草地上由休憩游玩的各式人物构成的场景。修拉用特有的点彩画法创造出一种光点明亮、绚烂的效果，给人一种阳光闪耀、影影绰绰的幻觉。画中人物大多没有什么动作，静谧、和谐地沐浴着灿烂的阳光，享受着星期日轻松、愉快的时光。 看到这里，我想智慧的您已经可以回答文章前边的小测验了。《煎饼磨坊的舞会》和《船上的午餐》出自于印象派的雷诺瓦。无论从构图还是线条、笔法以及画家关注的主题都是比较相似的，雷诺瓦还有幸福画师的称号，因为他说“忧伤、痛苦、沮丧已经够多了，我不想画这些，至于战争，我更不会画。”。雷诺瓦的人生并不顺利，但他选择为世人留下最美好的印象；米勒用写实的手法反应农民的艰辛；杜米埃则用自己的作品为穷苦大众鸣不平。这些艺术家创作的着力点虽然不同，但他们都在认真的感受和对待生活，就像张璪所说"外师造化，中得心源"。艺术创作来源于对大自然的师法，但是自然的美并不能够自动地转化为艺术的美，这一转化过程中，艺术家内心的情思和构设是不可或缺的。从某种意义上说，绘画作品就是生活的浓缩与提炼，因此绘画有时能将一些生活中的东西更纯粹、更极致的表达出来，因而也常常让人在无意间体验到一种心灵的震撼，正如文章开头说的——艺术源于生活,而高于生活。好的作品总是有灵魂的，震撼世人的往往不是绘画技法而是绘画传达出的思想，我们欣赏画作就像和画者进行心灵上的沟通，海内存知己，天涯若比邻。最近我们正在经历的新冠疫情，我们竭尽所能支援疫区，只是出于人类最本质的善良以及对和平美好生活的向往和追求，我们不希望看到武汉人民受苦难，也不想看到世界任何国家的人民受苦难。本着一颗善良的心去发现生活中的美好，就会活在美好中，哪怕历经苦难也不会孤单，更不会贫乏，米勒如此，雷诺瓦、杜米埃也如此，我想这是种成熟，更是种生活的智慧。在这个特殊的时期为中国点赞，为世界人民祈福！知绘在这里为您守候，愿与您一起传播爱与正能量。

明明是不同的世界、明明是不同的故事，但是却能完美的无缝衔接，不管你怎样反复查看，也难以分清明确的界线在哪里？这便是由加拿大艺术家罗布冈萨尔维斯 ( Robert Gonsalves) 带来的一系列超现实插画。冈萨尔维斯从小就对艺术有很大的兴趣，12岁时，由于建筑艺术方面的经验积累，他的视野变的更加的广阔，与此同时，他接触到了萨尔瓦多达利和雷尼马格利特，两位大咖的学术观点对他的创作产生了深远长久的影响。他的绘画作品通常都会令人十分费解。当你浏览的时候可能并没有发现什么不对,但是你仔细看的话，会发现这些插画简直是绘画界中的“盗梦空间”!让你不禁怀疑在他的这些插画中是否有真实的东西存在。在他的画中,你可以看见一种事物的消失和另一种事物的呈现无缝衔接。。你会想：哇，还可以这样，简直太不可思议了！我们可不可以称他的作品为魔幻现实主义呢?在他的这些作品中，你会发现明明是两个完全不同的世界，却被画家完美地衔接了起来，你甚至无法找到任何违和感。冈萨尔维斯的作品多数充满童趣或者神秘色彩，利用这种双重画面的视觉中心，就好像画家在窥探另一个不为人知的空间，直达人心。（图文素材来自网络，如有侵权请联系删除。）